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SUMMARY:Pícnic en el Museu Tàpies! 2026
DESCRIPTION:¿Queréis pasar una tarde de verano en el museo para descubrir las exposiciones en curso en familia y hacer un picnic en la terraza del Museu Tàpies? Venid con vuestra merienda-cena y nosotros os invitamos a la bebida \nPodréis disfrutar de las exposiciones  Antoni Tàpies. El movimiento perpetuo del muro y Àngel Jové. De intactu. \nHemos preparado propuestas para que podáis disfrutar de las exposiciones y de talleres creativos. \n  \nActividad realizada en colaboración con  El culturista.
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SUMMARY:Mari Lyn Diniz / Dora García. Corocuerpo (de feminidades disidentes o Mejor os calláis todos)
DESCRIPTION:  \nUn corazón de mujeres trans levanta la voz para dialogar entre ellas e interpelar al público: La resurrección\, como justicia. \n  \nSylvia Rivera\, una de las pioneras de la lucha por los derechos de las personas gays\, lesbianas y transexuales pronunció un discurso en el New York City’s Christopher Street Liberation Day Rally de 1973 que se hizo famoso con la denominación de “mejor os calláis todos”. En este discurso se inspiran Mari Lyn Diniz y Dora García en una performance en la que trabajan con un grupo de mujeres trans que\, como si fueran parte de un corazón griego\, interactúan con los espectadorxs. \nÉste corocuerpo articula una crítica directa a la violencia estructural de los discursos cisnormativos\, tanto heterosexuales como homosexuales\, y reivindica formas de vida que han sido históricamente expulsadas de la esfera pública. La incorporación de fragmentos de la canción “O Amor”\, de la cantante brasileña Gal Costa\, refuerza la idea de resurrección como justicia: resucitar aquí significa hacer visibles voces silenciadas\, cuerpos excluidos y genealogías disidentes. \nEl concepto de resurrección es común en la segunda acción de Dora García en el proyecto artístico Extramuros\, El bicho. Precisamente\, la canción de Gal Costa que se recita adapta un poema de Vladimir Maiakovski (Amor 3)\, el mismo autor que inspira El bicho. \nCorocuerpo (De feminidades disidentes o Mejor os calláis todos) y El bicho forman parte del proyecto del Museu Tàpies Extramuros\, que concibe la ciudad como un espacio de intervención y mediación. Con un enfoque multidisciplinar y plural\, fomenta el diálogo interinstitucional\, el espacio público y el medio ambiente. Con la colaboración estable de Eina Centre Universitari de Disseny i Art de Barcelona y del Grec Festival Barcelona\, ​​entre otros\, el proyecto Extramuros propone intervenciones y actividades que responden a las necesidades contemporáneas y que fomentan nuevas narrativas comunitarias en el espacio urbano. El gesto de considerar los muros del espacio público como portadores de las voces ciudadanas\, espacios en los que se materializan los discursos colectivos y se resignifican las experiencias compartidas nos conecta directamente con el pensamiento tapiano. \nCon carácter anual\, cada edición de Extramuros se expande desde el Museu Tàpies al espacio público en colaboración con el Grec Festival de Barcelona y otras entidades de la ciudad. Para la edición de 2026\, se ha invitado al artista Dora García. Dora García trabaja principalmente en las artes visuales\, y ocasionalmente colabora en los campos de la danza y el teatro\, o se implica en el ámbito social y político. La obra de Dora García abarca la literatura\, el cine\, la instalación y la performance\, y se centra en historias que ella misma construye y escenifica\, creando situaciones diseñadas para implicar al visitante y provocar experiencias únicas e introspectivas. \n  \nUna producción del Museu Tàpies y Grec 2026 Festival de Barcelona.\n \nEn el marco del proyecto del Museu Tàpies Extramuros 2026\, coordinado por Judith Barnés\, responsable de programas públicos del Museu Tàpies. \n  \nIntérpretes: Mari Lyn Diniz (BR) | Amanda Araújo (BR) | Helen Bogado (AR) | Lola Callejas (CL) | Milah Lorsalles (AR) | Soltanaterra (BR) \nCon la colaboración de:  \nDaniela Barriga | Isidora Cruz Berta Esteve | Bárbara Lara Leiva | Benjamin Muñoz | Mitzi Reyna\, estudiantes del Master Universitario en Investigación en Arte y Diseño (MURAD)\, Eina \nLucas Camacho | Carla López  | Sara Mato\, estudiantes del Grado en Diseño\, Eina \nRita Duelt | Mireia Solé\, estudiantes del Grado de Humanidades\, Universitat Pompeu Fabra \nMaia Braselli\, Universitat de Barcelona \n 
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SUMMARY:Conversación entre Frau Diamanda y Diego Marchante
DESCRIPTION:  \nA modo de prólogo de la performance Corocuerpo en el marco del proyecto artístico Extramuros – Dora García. Líneas de tiempo / resurrección\, que tendrá lugar el mismo día en la plaza Margarita Xirgu\, Frau Diamanda y Diego Marchante mantendrán una conversación abierta para introducir algunos de los ejes teóricos\, políticos y conceptuales que articulan el nuevo número de la revista Convit/e\, que se presentará durante el otoño. \nEl encuentro abordará cuestiones relacionadas con la historia de la lucha trans y su convergencia con otras luchas\, la metáfora de la resurrección como forma de justicia frente a la violencia estructural de los discursos cisnormativos\, los cuerpos colectivos y las tensiones entre comunidad\, identidad y disidencia. Estos temas\, centrales tanto en la publicación como en la performance posterior\, servirán como punto de partida para una reflexión compartida sobre las posibilidades de construcción de comunidad y las formas contemporáneas de resistencia y apoyo mutuo. Este espacio de diálogo funcionará como una apertura contextual a Corocuerpo para ofrecer al público herramientas y perspectivas desde las que aproximarse a la experiencia escénica. \nConvit/e es un proyecto editorial impulsado por la productora social Mescladís\, bajo la dirección artística de Dora García y en colaboración con el Museu Tàpies\, que propone un espacio de pensamiento crítico y experimentación en torno a las prácticas artísticas y sociales contemporáneas. \n  \nFrau Diamanda \nEscritora\, traductora\, artista audiovisual travesti\, drag performer\, comisaria independiente\, gestora cultural\, DJ y actriz ocasional. Se ha especializado en arte transgénero y performance multimedia. Cursó el PEI (Programa de Estudios Independientes) del MACBA durante el período 2017-2018 y ha publicado los libros Escenas catalanas. Errancias antropológico-sexuales (La Máquina Barcelona\, 2020) y Sexual Dissidences: Frau Diamanda’s Catalan Scenes\, Travesti Politics of Resistance and Anti-Canonical Knowledge (Stenberg Press\, 2025). Su interés artístico también incluye la fotografía\, el vídeo\, la instalación\, el spoken word\, la música electrónica y el net art. \n  \nDiego Marchante “Genderhacker”  \nActivista transfeminista\, artista transmediático y docente. Doctor en Bellas Artes por la Universidad de Barcelona\, desde 2008 trabaja como profesor de Audiovisuales y Estudios de Género en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Barcelona . Su obra se ha expuesto en CaixaForum\, Fabra i Coats\, Sala d’Art Jove\, CCCB\, MACBA y el Museo Reina Sofía. Ha publicado varios textos en libros como Transfeminismos. Epistemes\, fricciones y flujos (2013)\, Barbarismos queer y otros esdrújulas (2017)\, New (ego). Cuerpos conectados (2021) y Glossary of Common Knowledge Vol. 2 (2022). \n  \nUna propuesta del Museu Tàpies y de la productora social Mescladís \n  \nCrédito foto 1: Cecilia Gamarra / Crédito foto 2: Genderhacker
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SUMMARY:Extramurs 2026. Casal de verano creativo para jóvenes
DESCRIPTION:¿Qué ocurre dentro de un museo? ¿Y fuera? ¿Quién decide qué se expone? ¿Cómo se construye una exposición? ¿Qué papel puede tener el arte en cómo entendemos la ciudad y el mundo que habitamos?\nEn el marco del proyecto Extramuros\, os proponemos una semana de exploración artística y pensamiento crítico en torno al medio ambiente\, el espacio público y el papel de la cultura en la sociedad contemporánea. \nA lo largo del casal\, nos adentraremos en dos espacios clave del arte contemporáneo en Barcelona: el Museo Tàpies y el Centre d’Art La Capella. Conoceremos cómo funcionan por dentro\, qué personas trabajan y qué procesos hay detrás de una exposición.  \nA partir de visitas dinamizadas i talleres de experimentación\, descubriremos el proyecto Líneas de tiempo / Resurrección\, por la artista Dora García\, una propuesta que atraviesa los límites entre dentro y fuera del museo y que nos servirá como punto de partida para activar nuestros propios procesos de creación.  \nEste casal para jóvenes de entre 13 y 17 años es un espacio para observar\, hacer preguntas\, experimentar y pensar desde el arte. Nos interesa tanto el proceso como lo que descubrimos: cómo miramos\, cómo interpretamos y cómo podemos intervenir en nuestro entorno. \n→ Exploraremos cómo se construyen los proyectos artísticos contemporáneos. \n→ Conoceremos el funcionamiento interno de un museo y un centro de arte. \n→ Visitaremos diferentes espacios de la ciudad y reflexionaremos sobre el espacio público. \n→ Pensaremos colectivamente sobre el papel del arte y la cultura hoy. \n→ Desarrollaremos propuestas creativas propias a partir de la experimentación. \n  \nEste casal tiene un porcentaje de plazas reservadas para la inclusión de niños con discapacidad. La reserva de plazas debe mantenerse hasta el día 1 de junio. Una vez finalizado este plazo\, las plazas no cubiertas por niños con discapacidad se otorgarán a niños de la lista de espera por riguroso orden de inscripción. \n  \nUna propuesta del Museu Tàpies para jóvenes de 13 a 17 años\, con la colaboración del Centre d’Art La Capella\, la Escola Massana Centre d’Art i Disseny y de Tantágora servicios culturales.
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LOCATION:Museu Tàpies
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SUMMARY:Dora García. El Bicho
DESCRIPTION:  \nUna línea de tiempo con parásito. Extravaganza y performance con 7 performers y el público. Con la comedia satírica de un poeta desencantado como punto de partida\, una grande de la performance invita a romper la jerarquía de público y performers a la captura del bicho de nuestro tiempo. \n  \nEn 1929\, el poeta futurista Vladímir Maiakovski escribió “La Xinxa” (editada en castellano con el título de “La chinche”)\, una historia de ciencia ficción sobre un revolucionario soviético que\, en 1929\, queda congelado por accidente junto con un insecto que lo parasita. Cincuenta años más tarde\, en 1979\, revolucionario e insecto vuelven a la vida. \nObsedida con esta historia\, Dora García crea una performance con siete performers y el público en la que imagina un autor colectivo que se pregunta qué ocurre en un período de cincuenta años\, quién o cómo explica qué ha pasado y quién decide qué hechos han transformado el mundo en este espacio de tiempo. \nLa propuesta (que tiene una duración variable en función del espacio en el que se representa) imagina una historia repetida de forma cíclica\, una especie de retorno eterno que tiene\, sin embargo\, una falla\, un parásito\, un insecto\, una guindilla\, que impide que esta repetición fluya sin víctimas. Cada presentación de esta performance implica al público en una actividad diferente: a veces\, es una conferencia\, a veces un workshop\, o tal vez una lección de baile o una exhibición de patinaje; y\, en ocasiones\, una obra de teatro. Aquí se subvierten las jerarquías entre público y espectador\, entre quien cuenta y quien escucha. \nEsta performance se desarrolla en dos partes consecutivas\, una por cada día de representación\, siendo cada parte consecuencia de la anterior. El público es bienvenido a estar presente los dos días; o bien puede decidir presenciar solo una de las partes; dependiendo de esto variará el papel del espectador y la naturaleza de la obra. Cada parte tiene una duración de dos horas. \n  \nEl Bicho (igual que la performance Corocuerpo\, también incluida en la programación del Grec)\, forma parte del proyecto artístico Extramuros del Museu Tàpies\, que concibe la ciudad como un espacio de intervención y mediación. Con un enfoque multidisciplinar y plural\, fomenta el diálogo interinstitucional\, el espacio público y el medio ambiente. Con la colaboración estable de EINA Centro Universitario de Diseño y Arte de Barcelona y del Grec Festival Barcelona\, ​​entre otros\, el proyecto Extramuros propone intervenciones y actividades que responden a las necesidades contemporáneas y que fomentan nuevas narrativas comunitarias en el espacio urbano. El gesto de considerar los muros del espacio público como portadores de las voces ciudadanas\, espacios en los que se materializan los discursos colectivos y se resignifican las experiencias compartidas nos conecta directamente con el pensamiento tapiano. \nCon carácter anual\, cada edición del proyecto Extramuros se expande desde el Museu Tàpies al espacio público en colaboración con el Grec Festival de Barcelona y otras entidades de la ciudad. Para la edición de 2026\, se ha invitado al artista Dora García. Dora García trabaja principalmente en las artes visuales\, y ocasionalmente colabora en los campos de la danza y el teatro\, o se implica en el ámbito social y político. La obra de Dora García abarca la literatura\, el cine\, la instalación y la performance\, y se centra en historias que ella misma construye y escenifica\, creando situaciones diseñadas para implicar al visitante y provocar experiencias únicas e introspectivas. \n  \nEn el marco del proyecto Extramuros 2026\, a cargo de Dora García\, coordinado por Judith Barnés\, responsable de programas públicos del Museu Tàpies. \nUna producción del Museu Tàpies\, el Gran Teatre del Liceu y Grec 2026 Festival de Barcelona \n  \nEspectáculo para públicos de todas las edades. \n  \nIntérpretes: \nDora García | Simón Asencio | Castillo | Persis Bekkering | Adriano Wilfert Jensen | Krõõt Juurak | Michelangelo Miccolis | Y la participación especial de Ramón Bonvehí \n  \nAgradecimientos:  \nIUAV Venecia | KHiO Oslo | DeSingel & M KHA Amberes | y a los estudiantes del curso THE BUG en la Academia Nacional de Bellas Artes de Oslo. \n  \nImagen: Presentación de El Bicho en el Centro Cultural Condeduque\, Madrid\, 2022\, producido por El Amor. Fotografía de © Santiago Carrión  para Madrid Destino \n 
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SUMMARY:Extramurs 2026. Programa de apertura
DESCRIPTION:  \nEl proyecto resucítame contiene performance\, debate público\, paseos de memoria\, cartelada\, programa de películas e intervención en fachada. Es\, en efecto\, un proyecto que desborda\, que se mantiene siempre en el territorio donde se cruzan fronteras\, entre la vida y la muerte y de vuelta a la vida\, a través del tiempo y las cronologías\, atravesando géneros e insertando lenguajes. La mejor manera de comenzar un proyecto así es con una voz a capela femenina que se escapa\, a la vez que proclama los versos de Mayakovsky que podrían resumir este proyecto: «Resucítame / aunque solo sea / porque soy poeta / y anhelaba el futuro». \nEl programa inaugural de Extramuros 2026 dará comienzo el 4 de julio a las 19.30 h en el Foyer del Gran Teatre del Liceu\, que acogerá las presentaciones de Corocuerpo y El Bicho\, con la participación de la artista Erika Michi. \nAl día siguiente\, 5 de julio\, a la misma hora\, el Foyer del Liceu acogerá el segundo capítulo de El Bicho\, performance definida como «una línea del tiempo con parásito / Seminario experimental para la encuerpación de un texto». \nEl dia 6 de julio el programa de apertura concluirá con un diálogo entre Frau Diamanda y Diego Marchante\, en colaboración con la productora social Mescladís\, a las 18.30 h en el Foyer del Teatre Lliure de Montjuïc y con el segundo pase de Corocuerpo a las 20h en la plaça Margarida Xirgu. \n  \nImagen: Presentación de El Bicho en el Centro Cultural Condeduque\, Madrid\, 2022\, producido por El Amor. Fotografía de © Santiago Carrión  para Madrid Destino
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SUMMARY:Mari Lyn Diniz / Dora García. Corocuerpo (de feminidades disidentes o Mejor os calláis todos)
DESCRIPTION:  \nUn corazón de mujeres trans levanta la voz para dialogar entre ellas e interpelar al público: La resurrección\, como justicia. \n  \nSylvia Rivera\, una de las pioneras de la lucha por los derechos de las personas gays\, lesbianas y transexuales pronunció un discurso en el New York City’s Christopher Street Liberation Day Rally de 1973 que se hizo famoso con la denominación de “mejor os calláis todos”. En este discurso se inspiran Mari Lyn Diniz y Dora García en una performance en la que trabajan con un grupo de mujeres trans que\, como si fueran parte de un corazón griego\, interactúan con los espectadorxs. \nÉste corocuerpo articula una crítica directa a la violencia estructural de los discursos cisnormativos\, tanto heterosexuales como homosexuales\, y reivindica formas de vida que han sido históricamente expulsadas de la esfera pública. La incorporación de fragmentos de la canción “O Amor”\, de la cantante brasileña Gal Costa\, refuerza la idea de resurrección como justicia: resucitar aquí significa hacer visibles voces silenciadas\, cuerpos excluidos y genealogías disidentes. \nEl concepto de resurrección es común en la segunda acción de Dora García en el proyecto artístico Extramuros\, El bicho. Precisamente\, la canción de Gal Costa que se recita adapta un poema de Vladimir Maiakovski (Amor 3)\, el mismo autor que inspira El bicho. \nCorocuerpo (De feminidades disidentes o Mejor os calláis todos) y El bicho forman parte del proyecto del Museu Tàpies Extramuros\, que concibe la ciudad como un espacio de intervención y mediación. Con un enfoque multidisciplinar y plural\, fomenta el diálogo interinstitucional\, el espacio público y el medio ambiente. Con la colaboración estable de Eina Centre Universitari de Disseny i Art de Barcelona y del Grec Festival Barcelona\, ​​entre otros\, el proyecto Extramuros propone intervenciones y actividades que responden a las necesidades contemporáneas y que fomentan nuevas narrativas comunitarias en el espacio urbano. El gesto de considerar los muros del espacio público como portadores de las voces ciudadanas\, espacios en los que se materializan los discursos colectivos y se resignifican las experiencias compartidas nos conecta directamente con el pensamiento tapiano. \nCon carácter anual\, cada edición de Extramuros se expande desde el Museu Tàpies al espacio público en colaboración con el Grec Festival de Barcelona y otras entidades de la ciudad. Para la edición de 2026\, se ha invitado al artista Dora García. Dora García trabaja principalmente en las artes visuales\, y ocasionalmente colabora en los campos de la danza y el teatro\, o se implica en el ámbito social y político. La obra de Dora García abarca la literatura\, el cine\, la instalación y la performance\, y se centra en historias que ella misma construye y escenifica\, creando situaciones diseñadas para implicar al visitante y provocar experiencias únicas e introspectivas. \n  \nUna producción del Museu Tàpies y Grec 2026 Festival de Barcelona.\n \nEn el marco del proyecto del Museu Tàpies Extramuros 2026\, coordinado por Judith Barnés\, responsable de programas públicos del Museu Tàpies. \n  \nIntérpretes: Mari Lyn Diniz (BR) | Amanda Araújo (BR) | Helen Bogado (AR) | Lola Callejas (CL) | Milah Lorsalles (AR) | Soltanaterra (BR) \nCon la colaboración de:  \nDaniela Barriga | Isidora Cruz Berta Esteve | Bárbara Lara Leiva | Benjamin Muñoz | Mitzi Reyna\, estudiantes del Master Universitario en Investigación en Arte y Diseño (MURAD)\, Eina \nLucas Camacho | Carla López  | Sara Mato\, estudiantes del Grado en Diseño\, Eina \nRita Duelt | Mireia Solé\, estudiantes del Grado de Humanidades\, Universitat Pompeu Fabra \nMaia Braselli\, Universitat de Barcelona \n 
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SUMMARY:Busco en la imaginación la materialización de una máquina of water como yo
DESCRIPTION:  \nEn el marco de la tercera edición de Polvo. Laboratorio de investigación colaborativa\, las artistas Helena Ripoll\, Irene Rojo y Viva\, bajo la tutoría de Lucía Àngel C. Pino\, han realizado una residencia de dos meses en el Museu Tàpies basada en la experimentación con la materia en el contexto de la exposición Antoni Tàpies. El movimiento perpetuo del muro. \nCon motivo de la presentación pública de los resultados de la investigación\, las artistas proponen la actividad Busco en la imaginación la materialización de una máquina of water como yo: \n«Durante estas semanas de residencia\, habitando el espacio del museo y\, más concretamente\, la exposición Antoni Tàpies. El movimiento perpetuo del muro desde la conversación\, la escucha y la atención compartida\, más que detenernos en las obras expuestas como objetos singulares\, nos ha interesado aquello que las rodea y las sostiene: los gestos de disposición\, las relaciones que se activan en el espacio\, las atmósferas y preguntas que acompañan al hecho mismo de exponer. Una exposición que\, de alguna manera\, habla de la propia exposición; de sus condiciones de posibilidad\, los contextos y las presencias que la atraviesan. \nA partir de este proceso de investigación y convivencia elaboramos esta propuesta que desplaza las formas habituales de recorrer el espacio del museo y propone dejarse afectar por otra manera de estar. Un recorrido que no pretende mirar las obras\, sino afinar la atención hacia aquello que pasa a su alrededor\, entre ellas\, antes y después de ellas. \nLa activación que proponemos tendrá lugar a las 8 de la mañana\, una hora que no pertenece a los horarios de apertura del museo. Nos interesa este pequeño desajuste\, esta sensación de llegar a un lugar cuando se encuentra en otro estado\, entre la noche y el día. La alteración de la temporalidad forma parte de la propuesta: entrar al museo desde una cierta extrañeza para desplazar las expectativas. \nA lo largo del recorrido\, las personas participantes llevarán un dispositivo que interrumpirá parcialmente la visión. La mirada quedará suspendida durante gran parte de la experiencia\, abriendo espacio a otras formas de percepción: la escucha\, la orientación del cuerpo\, las distancias\, las texturas\, la temperatura y la presencia de los otros cuerpos. En momentos puntuales\, una pequeña apertura permitirá dirigir la mirada hacia una imagen concreta: apariciones breves que emergen dentro de un estado de atención sostenido por otros sentidos. \nNos preguntamos qué pasa cuando dejamos de entender la exposición principalmente como un lugar que prioriza la visualidad. Qué aparece cuando la percepción se desplaza y la atención se dirige hacia aquello que habitualmente queda al margen. Quizás entonces el museo se convierte\, por un instante\, en un espacio donde escuchar las relaciones\, las atmósferas y las condiciones que hacen posible que algo sea mostrado.»
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SUMMARY:Antoni Tàpies y la esfera pública
DESCRIPTION:Itinerario comentado que da a conocer algunas de las obras de Antoni Tàpies situadas en diferentes instituciones y espacios públicos de la ciudad de Barcelona\, y que pone de manifiesto la faceta más social y comprometida del artista. El recorrido incluye un comentario de las obras Núvol i cadira (1990)\, Mitjó (maqueta\, 1991; escultura\, 2010)\, Homenatge a Picasso (1983) y Sala de reflexió (1996). \n  \n 
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SUMMARY:Raquel G. Ibáñez. Sienten las piedras
DESCRIPTION:  \nSi nos adentráramos en el agujero del Mitjó (Calcetín) de Antoni Tàpies\, quizás veríamos el cielo. O las entrañas de la tierra. O aquel rincón tan familiar al que nunca antes habíamos prestado atención. El agujero aparecería entonces como una apertura\, un umbral desde el cual mirar hacia una terraza expuesta al sol y a los agentes atmosféricos; un espacio donde la contemplación de lo cotidiano se volvería extrañamente misteriosa. Como si la percepción\, al desviarse apenas un poco de su curso habitual\, abriese una pequeña fisura. Un intersticio que\, siguiendo las reflexiones de Tim Ingold\, no encerraría un significado fijo\, sino que permanecería entre líneas. «Un nudo aéreo». \nQuizás bastaría entonces con tirar del hilo y detenerse a escuchar. Oír el viento\, el agua fluyendo\, la nieve derritiéndose o el crujido lejano de un árbol al caer. Escuchar también aquello que vibra entre cuerpos y objetos. A partir de esta atención sostenida\, se desplegaría\, así\, una forma de ritual a pequeña escala. Si nos adentráramos en el agujero. \n… \nA partir de esta invitación\, la artista propone una sesión de escucha en la que grabaciones de fenómenos atmosféricos y de entornos naturales dialogan y se distorsionan. Como un hilo más dentro de una trama expandida\, se entrelazan lo ancestral y lo tecnológico\, lo íntimo y lo geológico\, sin jerarquías. En resonancia con la sensibilidad poética de Mary Oliver hacia las dimensiones asombrosas de lo cotidiano\, la pieza desplaza sutilmente la percepción y abre\, aunque sea momentáneamente\, otras formas de relación con el entorno. \n  \nLa práctica artística de Raquel G.Ibáñez investiga la liminaridad y las fronteras entre sonido\, lenguaje e imagen visual\, utilizando la escucha —humana y más que humana— como herramienta metodológica desde la acustemología. Sus líneas de trabajo se centran en lo intangible y en los umbrales entre lo humano\, lo espiritual y lo natural\, explorando también la tensión entre lo ancestral y el futuro en un contexto de crisis global. Sus procesos destacan la fragilidad e interdependencia de la vida biológica\, y se materializan en diversos formatos\, como el sonido\, el dibujo\, la performance\, la instalación y la edición expandida. \nHa desarrollado proyectos en instituciones como el CA2M Museo Centro de Arte Dos de Mayo\, Fundación Cerezales Antonino y Cinia\, Tsonami Arte Sonoro\, CDAN\, Sonandes\, La Casa Encendida o el MACBA\, y ha recibido premios y becas como el Premi Miquel Casablancas 2024\, Circuitos Artes Plásticas 2024\, las Ayudas a la creación en artes visuales de la Comunidad de Madrid o las Ayudas públicas para la creación\, investigación y producción de proyectos artísticos del Ministerio de Cultura. \nSu trayectoria incluye residencias artísticas en espacios como aadk\, Jazz ao Centro o Bulegoa\, así como la participación en festivales de arte sonoro y música experimental como Insonora 14\, Sur Aural\, Rota Music Festival y Soundtiago\, entre otros. Su participación en el colectivo de poesía y performance Una Fiesta Salvaje y la publicación de su libro Granate consolidan una práctica que combina creación\, investigación y escritura. \n  \nActividad realizada en el marco del ciclo Siguiendo el sol. Destapando la mirada del Museu Tàpies\, comisariado por Carolina Ciuti. \n  \nImagen: Raquel G. Ibáñez. Foto: Juan Hoppe
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SUMMARY:Entrega de premios a los ganadores de la tercera edición del concurso Teresa Barba de escritura crítica
DESCRIPTION:Entrega de premios a los ganadores de la tercera edición del concurso Teresa Barba de escritura crítica. El primer premio de cada categoría recibirá un vale de 300€ intercambiable por libros. Todos los premiados recibirán también la publicación que recoge los textos presentados al concurso. \nEl evento consistirá en la lectura pública de los textos ganadores. La presentación del acto irá a cargo de la periodista Carolina Rosich. \n  \nPremiados: \n  \nCategoría de ciclo superior de educación primaria: \n\nPrimer premio para Guiem Vilagut Anton (11 años)\, de la Escola Solc de Barcelona\, con el texto «Nit eterna»\, a partir de la obra Ells acusen (1951) de Antoni Tàpies.\n\n\nSegundo premio para Estel Martínez Albelda (11 años)\, de la Escola Solc de Barcelona\, con el texto «Quin misteri d’obra»\, a partir de la obra Dibuix (1944) d’Antoni Tàpies.\n\n\nTercer premio para el alumnado de 5º A y B (11-12 años) de la Escola Samuntada de Sabadell\, con el texto «La crisi de la crítica ens fa pensar»\, a partir de diversas obras de Antoni Tàpies.\n\n  \nCategoría de educación secundaria: \n\nPrimer premio para Víctor Soto Doñate (15 años)\, del IEA Oriol Martorell de Barcelona\, con el texto «Memòria teixida en pols i silenci»\, a partir de la Maqueta para ‘Núvol i cadira’ (1988) de Antoni Tàpies.\n\n\nSegundo premio para Ruth Liarte Esteve (15 años)\, del IEA Oriol Martorell de Barcelona\, con el texto «Ferro\, sang\, alçada i aire»\, a partir de la obrea Cadira i roba (1970) de Antoni Tàpies.\n\n\nTercer premio para Mar Camps Salgueda (15 años)\, del IEA Oriol Martorell de Barcelona\, con el texto «Caos i innocència»\, a partir de la obra Feixisme. Sèrie Història Natural (1950) de Antoni Tàpies.\n\n  \nCategoría de bachillerato y ciclos formativos de grado medio: \n\nPrimer premio para Berta Marín (16 años)\, del Institut Infanta Isabel d’Aragó de Barcelona\, con el texto «Mirada interna»\, a partir de la obra Ulls tancats (1985) de Antoni Tàpies.\n\n\nSegundo premio para Martina Espejo Moreno (17 años)\, del Col·legi Badalonès de Badalona\, con el texto «Un quadre que fa pensar més que mirar»\, a apartir de la obra Tríptic (1948) de Antoni Tàpies.\n\n\nTercer premio para Lua Rodríguez Ruíz (16 años)\, del Institut Infanta Isabel d’Aragó\, de Barcelona\, con el texto «Retrat de l’avi»\, a partir de la obra homónima de Antoni Tàpies del año 1987.\n\n  \nCategoría de grados universitarios y ciclos formativos de grado superior: \n\nPrimer premio para Ainara Borrego Gavilán (20 años)\, de la Escola d’Art i Disseny de Sant Cugat\, con el texto «Allò que no ens han deixat veure»\, a partir de la obra Empremta de mirall (1967) de Antoni Tàpies.\n\n\nSegundo premio para Violeta Granés Vallès (22 años)\, de la Universitat de Barcelona\, con el texto «La nit del món\, a partir de la obra Nocturn (1952) de Antoni Tàpies.\n\n\nTercer premio para Quer Ten Carrillo (21 años)\, de la Universitat Pompeu Fabra\, con el texto «Reflexions des de la sala»\, a partir de la Sala de Reflexión (1996) de Antoni Tàpies.
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SUMMARY:Àngel Jové. Morder la imagen. Ciclo de cine
DESCRIPTION:  \nEl Museu Tàpies presenta\, en colaboración con el Espai Texas\, el ciclo de cine Àngel Jové. Morder la imagen\, una propuesta que\, en tres sesiones cronológicas\, recorre la dimensión cinematográfica de uno de los artistas más singulares de la escena catalana contemporánea en tanto que experimental\, interdisciplinar y radical. \nParalelamente a su trayectoria artística\, Jové desarrolló una actividad cinematográfica de un marcado carácter experimental. After (1968)\, que formaba parte de una performance\, hasta la creación de Primera muerte (1969) con el grupo conceptual El Maduixer —considerada la primera pieza de videoarte del Estado español—\, su obra audiovisual se convierte en un espacio de investigación radical sobre la imagen. Esta línea culmina en proyectos posteriores como Lo pedrís\, viatge per les terres de Ponent (1989)\, realizado con Benet Rossell y Carles Hac Mor. \nA partir de finales de los años setenta\, Jové se convierte también en una presencia recurrente en el cine de Bigas Luna y en un actor de culto gracias a películas como Bilbao (1978)\, Caniche (1979) o Angustia (1987)\, así como a otras producciones del cine catalán y español de los años ochenta y noventa. Su trayectoria artística ha sido igualmente objeto de atención cinematográfica\, como demuestran los documentales que Gonzalo Herralde le ha dedicado a lo largo de varias décadas. \nAsí pues\, el ciclo Àngel Jové. Morder la imagen propone una aproximación a esta dimensión audiovisual a través de tres sesiones que combinan proyecciones e intervenciones contextuales por parte de personas expertas\, con el objetivo de situar la figura de Àngel Jové\, de forma poliédrica\, en esta forma de registro. \n  \nPrograma \n  \nSesión 3 —  El cine experimental: prácticas conceptuales captadas en Primera muerte \nProyección de Primera muerte (1969) i Eco de Primera muerte (2017) \nLa última sesión incluirá una presentación de Daniel Pérez Pàmies\, profesor de Historia del Cinema (UdG) y miembro del grupo de investigación GROC\, y se cerrará con una intervención a cargo de Imma Prieto\, directora del Museu Tàpies\, que pondrá en relieve el papel de Jové en los inicios del videoarte. \nFecha: jueves 11 de junio\, 19 h \n  \nSesiones realizadas: \nSesión 1 — El cine de la transgresión: Àngel Jové y Bigas Luna como paradigma de los años 70  \nProyección de Bilbao (1978)\, de Bigas Luna \nEl ciclo se iniciará con una introducción de Jordi Balló\, que abordará la ruptura estética y temática que supuso esta obra. \nFecha: miércoles 20 de mayo\, 19 h \nSesión 2 — La mirada de Gonzalo Herralde: los documentales sobre la obra y el pensamiento de Àngel Jové \nProyección de Capiscar la fior de la mà morta (1991) y Altra volta mossego un tros de pa. Cristòfol-Pavese (2007). \nUn diálogo entre Gonzalo Herralde y Maria Josep Balsach\, curadora de la exposición Àngel Jové. De intactu en el Museu Tàpies. \nFecha: miércoles 3 de junio\, 19 h \n  \nImagen: Àngel Jové. Eco de primera muerte\, 2017
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SUMMARY:Mur Mur i Zo
DESCRIPTION:Mur mur i zo* es una exploración cinética y poética de la exposición Antoni Tàpies. El movimiento perpetuo del muro del Museu Tàpies. Se trata de una investigación colaborativa sobre el movimiento y la estasis entre dos artistas procedentes de disciplinas diferentes —la danza (Georgia Vardarou) y las artes visuales y la poesía (Nathalie Karagiannis)— y con tres puntos de partida: la repetición del motivo del muro en la obra de Tàpies y sus implicaciones\, la relación entre cuerpo y memoria (la memoria como archivo muerto o como vitalidad creativa) y la interacción entre ambas. \nEsta investigación\, que se presentará en el Museu Tàpies\, es el resultado de la primera edición de la residencia de investigación Cuerpo de archivo\, un proyecto conjunto del Museu Tàpies y Graner – Centre de creació de dansa i arts vives. \n* El título de la propuesta es la transliteración en caracteres latinos de un verbo griego que significa ‘murmurar’. En esta forma\, contiene la doble reiteración de mur\, que significa ‘muro’ en catalán\, pero también el verbo vivo en griego. \n  \nGeorgia Vardarou se graduó en la National School of Dance (Κ.Σ.Ο.Τ.) de Grecia y posteriormente en P.A.R.T.S.\, en Bélgica. Como bailarina profesional ha trabajado con Salva Sanchis\, Marc Vanrunxt y Anne Teresa De Keersmaeker / Rosas\, entre otros. Como coreógrafa se interesa por el movimiento personal\, el contenido que este conlleva y la intersubjetividad entre observador/a y bailarín/ina en la percepción de la danza. Sus últimas piezas se han presentado en STUK (Lovaina)\, Mercat de les Flors (Barcelona)\, KC NONA (Amberes)\, Corso-Berchem\, Spider Festival (Eslovenia) y December Dance (Brujas). Vardarou es miembro del profesorado del Centre Superior d’Art Dramàtic Eòlia. Su trabajo está producido por kunst/werk. \nNathalie Karagiannis trabaja entre la escritura\, el dibujo y la instalación. Es licenciada en Derecho Público (Paris 1) y en Ciencias Políticas (Sciences Po Paris)\, y doctora en Teoría Social y Política por el EUI de Florencia. Sus exposiciones más recientes son Three Breaths of Fresh Air (Museo de Islahane\, 2025)\, Vent (La Pahissa del Marquet\, 2025) y Dago (Museo Hadjimihali\, 2025). Ha comisariado Arte y crisis en el CCCB (2013)\, el Festival SUD de Poesía en el Reial Cercle Artístic de Barcelona (2015)\, Der Blinde Fleck en el Warburg Haus (2019) y Elogio del riesgo y Vallas en La Fusteria (2023). Ha publicado siete libros\, ha editado tres y ha escrito artículos sobre democracia\, deuda\, solidaridad y otras cuestiones vinculadas a la teoría social y política. \n 
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SUMMARY:Punto de encuentro
DESCRIPTION:  \n  \nEn el marco de la exposición Antoni Tàpies. El movimiento perpetuo del muro\, se propone una activación pública del proceso de investigación que Mauricio Sierra ha desarrollado a partir de conversaciones mantenidas con personas de diferentes perfiles que trabajan en el museo o lo visitan. \nEsta apertura del proceso es una invitación a situar el cuerpo dentro del espacio expositivo y a experimentar diversas maneras de percibir. El formato combina herramientas de mediación artística y performance\, y estará abierto a la participación de cualquier persona que visite el museo durante el horario de la apertura. \nLa propuesta parte de la idea de que el encuentro genera movimiento\, despierta murmullos\, activa otros ritmos y posibilita pausas\, relevos y descansos necesarios. En este sentido\, Sierra plantea trabajar a partir de los gestos colectivos que los cuerpos producen dentro de los espacios museísticos\, entendiendo el museo como un lugar de relación y conversación. A través de estos ejercicios de aproximación\, la investigación indaga en la aparición de gestos sutiles y en las formas de presencia compartida\, ensayando el museo como un punto de encuentro atravesado por relaciones cotidianas\, donde coinciden múltiples actores y donde pueden generarse espacios de escucha e intercambio. Así\, la propuesta continúa una línea de trabajo centrada en experimentar maneras de estar juntas y de habitar colectivamente los espacios. \n  \nMauricio Sierra es investigador\, performer\, codramaturgo\, codirector\, ayudante de dirección y mediador. Su práctica aborda el cuerpo colectivo como soporte y objeto de estudio constante\, y también como posibilidad de desestabilización y fundamento de investigación. Ha colaborado en proyectos de teatro\, danza\, performance\, cine y museografía en Colombia\, España e Inglaterra. Desarrolla procesos con colectivos profesionales y académicos de las artes escénicas en los que\, a través de lenguajes contemporáneos y prestando especial atención a los espacios no convencionales\, investiga las posibilidades de diseño\, recepción y participación en las experiencias artísticas. \n  \nCuatro personas observan la obra Marró i ocre (1959)\, de Antoni Tàpies\, en la Sala Gaspar\, 1960. Archivo personal de Antoni Tàpies.
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SUMMARY:Vibe. El peso de la arena
DESCRIPTION:Vibe. El peso de la arena es una performance que se inspira en una cosmogonía del África negra\, y en la que objetos\, gestos y palabra forman parte de un mismo sistema de relaciones. En este espacio\, lo funcional y lo simbólico conviven sin jerarquías: lo cotidiano puede volverse ritual\, y el gesto más simple puede abrir una dimensión profunda y ancestral. \nLa pieza adopta la forma de un acto de adivinación situado en un contexto urbano contemporáneo. En lugar de la percusión\, utilizamos arena y dispositivos electrónicos que generan frecuencias capaces de ponerla en movimiento. Sobre esta superficie viva dibujamos\, evocamos y dejamos aflorar formas efímeras\, como si la propia materia intentase hablar. \nLa sorra es vibración\, energía latente\, movimiento. \nEl taburete es peso\, centro y estabilidad. \nEn el centro de la acción está el nkoh\, un taburete de la etnia bamileke. Me siento sobre él cubierto por una tela amplia que transforma el cuerpo en una figura casi piramidal. El taburete se convierte a la vez en asiento\, tambor\, trono y memoria: la silla escondida\, el trono del abuelo\, la silla frente a la puerta que espera sin esperar a nadie\, la presencia desde la que el cuerpo resuena. \nDos cámaras filman las mesas de dibujo y proyectan las imágenes sobre el muro. Las manos trabajando la arena se convierten así en una forma de adivinación digital: rastros inestables\, gestos inciertos\, apariciones y desapariciones continuas. \nLa performance explora también otras formas de sostener y transportar el cuerpo. Llevar a alguien a cuestas como a un niño\, improvisar asientos con sacos o estructuras precarias\, trasladar a un anciano entre dos palos de un pueblo a otro. Aquí\, la silla aparece no solo como un objeto funcional\, sino como una extensión del cuerpo\, una herramienta de supervivencia\, de cuidados y de transmisión. \nUna silla visible. \nOtra invisible. \nLa silla de vida. \n  \nXumo Nunjo. Artista independiente\, músico y productor camerunés afincado en Barcelona. Sus abuelos lo iniciaron en las artes escénicas tradicionales bamileke\, lo que ha marcado profundamente su sensibilidad artística y su recorrido creativo. Sus intereses abrazan la arquitectura\, la historia del arte\, la antropología\, el teatro y las artes visuales\, disciplinas que nutren una obra transversal y original. A lo largo de su trayectoria ha participado en la creación y producción de espectáculos\, discos\, performances\, proyectos de street art y campañas publicitarias. También ha actuado en distintos escenarios de Europa\, Estados Unidos\, Asia y África\, presentando trabajos originales que reflejan la riqueza de su universo artístico. \n  \nAngel Ihosvanny. Artista multidisciplinar que vive y trabaja entre Barcelona y Luanda. Su práctica\, que abarca pintura\, instalación\, vídeo y música\, aborda el urbanismo contemporáneo\, el consumismo y la transformación del entorno\, y ha sido presentada en contextos internacionales como la Trienal de Luanda y la Bienal de Venecia. \n  \nEl ciclo “Las sillas de Tàpies. Invocar la grieta” está comisariado por Judith Barnés.
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SUMMARY:El museo desplegable. Actividad para familias
DESCRIPTION:  \nOs invitamos a una actividad de presentación y activación de un desplegable que nos permitirá explorar la arquitectura del Museu Tàpies. A través de una serie de juegos y reflexiones descubriremos las particularidades de un edificio que fue creado para albergar una editorial y que al cabo de los años se convirtió en un museo de arte contemporáneo. \nDesplegable y actividad a cargo de El globus vermell . Se entregará un ejemplar gratuito a cada familia. \nEsta actividad se organiza en el marco del programa Barcelona 2026\, Capital Mundial de la Arquitectura. \n  \nEl globus vermell es una asociación cultural que desde 2009 trabaja con el objetivo de formar una ciudadanía crítica y exigente con el entorno urbano y darle poder para que pueda convertirse en un actor clave en la transformación de las ciudades hacia entornos urbanos más sanos y sostenibles. Desarrolla su labor a través de tres canales: el cultural (visitas guiadas\, itinerarios\, talleres\, publicaciones\, exposiciones\, etc.); el social (participación ciudadana\, eventos\, etc.)\, y el proyectual (diseño\, obra nueva y rehabilitación bajo los parámetros de la bioarquitectura).  \nForman parte del Projecte Educatiu de la Ciutat de Barcelona y del Consell d’Innovació Pedagògica (CIP) impulsado por el Institut Municipal d’Educació. También son firmantes del Compromís Ciutadà per a la Sostenibilitat. El 2012 recibió la Medalla COAC en reconocimiento a su labor y en 2017 el Sello de Calidad del CIP. Los impulsores de este colectivo son arquitectos que\, además del trabajo con El globus vermell\, compaginan el trabajo propio de proyectistas con la investigación\, la docencia universitaria\, la gestión cultural y la divulgación sobre la arquitectura y la ciudad.
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SUMMARY:48 maneras de sentir
DESCRIPTION:En esta formación Oriol Vilapuig y Xavier Garriga nos propondrán poner el cuerpo en el centro\, sensibilizarlo para buscar formas de resonancia internas y externas. Confiar en los sentidos\, acoger un espacio y un tiempo de escucha. \nEn el taller se generarán pequeños gestos que nos permitan alterar las lógicas para construir otras relaciones. Crearemos imágenes para generar movimientos internos activando recursos para descubrirnos\, acompañar y aprender. \nEstas acciones dialogarán con la obra de Antoni Tàpies y también con otros autores como Erwin Wurm\, Fischli and Weiss\, Roman Signer\, Hicham Benohoud y Gertraud Platschek. \nA partir de materiales como ropa u objetos cotidianos\, las participantes explorarán la relación entre espacio\, cuerpo y objeto mediante acciones y gestos efímeros\, tanto individuales como colectivos. Estas acciones se documentarán con fotografías\, que servirán de base para realizar dibujos y se irán recopilando como parte del proceso que culminará con la preparación de un espacio expositivo donde se mostrarán y se activarán algunas de las acciones realizadas. \n  \nObjetivos: \n  \n• Poner en valor los lenguajes artísticos como herramientas de conocimiento\, expresión y construcción de pensamiento. \n• Relacionar referentes artísticos contemporáneos como motores de investigación y experimentación. \n• Fomentar la conciencia corporal y la relación cuerpo–objete mediante acciones\, gestos y movimientos efímeros. \n• Explorar la acción artística individual y colectiva como proceso de transformación de los objetos y del espacio. \n• Desarrollar procesos de documentación artística a través de la fotografía\, el dibujo y el registro escrito. \n• Traducir acciones performativas en dibujos\, instrucciones y formatos editoriales sencillos. \n• Potenciar el trabajo colaborativo y la creación de un archivo colectivo de acciones artísticas. \n• Diseñar y preparar un espacio expositivo que permita mostrar\, activar y reinterpretar las acciones realizadas. \n  \nSobre los formadores: \n  \nXavier Garriga (Sabadell\, 1961) es licenciado en Bellas Artes en la especialidad de escultura. Actualmente trabaja como profesor y formador de la escuela municipal de arte Illa de Sabadell y en ICE de la UAB\, donde imparte cursos de formación permanente de visual y plástica. \nOriol Vilapuig (Sabadell\, 1964) es licenciado en Bellas Artes por la Facultad de Bellas Artes Sant Jordi de Barcelona y estudia en la Escuela de Arte Eina. A partir del año 2000 entra a formar parte de la Escuela Municipal Illa de Sabadell como profesor de dibujo y en los talleres infantiles de arte. Su último trabajo centrado en el lenguaje del dibujo se ha expuesto en espacios como Caixaforum\, MACBA y Museu Tàpies.
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SUMMARY:Simposio "El muro y la ciudad. Dispositivos visuales de la modernidad"
DESCRIPTION:  \nEl simposio internacional El muro y la ciudad. Dispositivos visuales de la modernidad se vincula conceptualmente con la exposición Antoni Tàpies. El movimiento perpetuo del muro\, una muestra que actualmente puede verse en el Museu Tàpies y que ha sido comisariada por Imma Prieto y Pablo Allepuz. Esta exposición explora la obra del artista a partir de sus contextos y modalidades de exhibición\, y se centra en cuatro exposiciones individuales de los años cincuenta\, caracterizadas por grupos de obras y soluciones de montaje muy diversas. El conjunto permite situar la producción de Antoni Tàpies en relación con debates más amplios sobre arquitectura moderna\, diseño\, industria\, espacio urbano y formas de vida de la época. \nA partir de este marco conceptual\, el simposio internacional El muro y la ciudad. Dispositivos visuales de la modernidad propone una lectura crítica de la modernidad a través de los dispositivos materiales y visuales que la hicieron posible: muros\, fachadas\, pavimentos\, vitrinas\, carteles\, estructuras expositivas y espacios domésticos. Estos elementos\, aparentemente funcionales\, se convierten en agentes activos de mediación entre arte\, diseño\, arquitectura y experiencia perceptiva\, dado que la materia\, la luz\, el montaje visual y la disposición de los objetos influyen en la percepción estética y definen nuevas formas de ver\, habitar y entender la ciudad. \nEn el contexto de la reconstrucción europea posterior a la Segunda Guerra Mundial —y a la posguerra y el aislamiento cultural del franquismo en España—\, el espacio expositivo y el paisaje urbano actuaron como laboratorios de modernidad. Museos\, pabellones\, escaparates y viviendas se convirtieron en espacios experimentales donde arquitectura\, diseño y display generaban formas específicas de percepción\, marcando una sensibilidad visual y urbana propia de la posguerra. En Barcelona\, figuras como Antoni Tàpies\, Josep Antoni Coderch\, Antoni de Moragas Gallissà\, Oriol Bohigas\, Ricard Giralt Miracle o America Sanchez propusieron una sintaxis común: una modernidad artesanal y contenida\, con densidad matérica y gesto manual\, que articulaba arquitectura\, diseño y display visual. Su práctica no solo definía una cultura visual\, sino también un modelo de display que condicionaba la percepción estética del espacio y el objeto. \nEl simposio analiza estos dispositivos como prácticas activas de discurso y percepción que configuran imaginarios de comunidad\, memoria y relación entre cuerpo y arquitectura. Se revisitan los lenguajes expositivos\, arquitectónicos y gráficos de los años cincuenta y sesenta para interrogar su vigencia: ¿qué queda hoy del modo de concebir muros\, casas o la ciudad como espacios de pensamiento\, resistencia y percepción? ¿Qué continuidades o fracturas existen entre los dispositivos visuales de la modernidad y las prácticas actuales de museografía y urbanismo? Esta revisión permite pensar el museo y la ciudad contemporánea como espacios de crítica\, experimentación y experiencia estética\, donde la memoria del display moderno sigue siendo una estrategia de pensamiento y percepción. \nPara elaborar el programa\, se ha invitado a investigadores/as\, artistas\, arquitectos/as\, diseñadores/as y profesionales del ámbito curatorial a presentar propuestas que aborden estas cuestiones desde perspectivas críticas\, históricas o contemporáneas\, y con enfoques interdisciplinarios. El call for papers impulsado desde la Cátedra Antoni Tàpies – UPF de Arte y Pensamiento Contemporáneos amplia y profundiza la propuesta curatorial de la muestra\, invitando a investigar críticamente estas infraestructuras materiales y simbólicas desde perspectivas históricas y teóricas diversas\, tomando como punto de partida la exposición que actualmente se puede visitar en el Museu Tàpies. Más allá del relato expositivo\, el simposio abre un espacio de debate académico para analizar como estos dispositivos han modelado la percepción y la experiencia estética\, así como las dinámicas sociales y políticas inscritas en la ciudad moderna.  \n  \nPROGRAMA \nMiércoles\, 27 de mayo de 2026 \n\n18 h. Bienvenida y presentación a cargo del Museu Tàpies\n18.10 h. Conferencia «El muro que somos. Tàpies\, el espacio\, la obra» a cargo de Federico Ferrari\n18.50 h. Conferencia «El entorno y su influencia» a cargo de Xavi Ceerre\n19.20 h. Pausa\n19.30 h. Conferencia «Más allá del muro» a cargo de Carlos Bunga\n20.10 h. Mesa redonda y debate\n20.30 h. Clausura\n\n  \nJueves\, 28 de mayo de 2026 \n\n18 h. Bienvenida y presentación a cargo del Museu Tàpies\n18.10 h. Conferencia «Extramuros. De la silueta de la sombra del reflejo de la imagen» a cargo de Juan José Lahuerta\n\n18.50 h. Conferencia «Del ser a la nada. Objeto\, cuerpo y espacio en el arte de performance contemporáneo» a cargo de Lyu Wen \n19.20 h. Pausa \n19.30 h. Conferencia «El modelo Miró. La exposición de elementos efímeros como práctica artística» a cargo de Jordana Mendelson \n\n20.10 h. Mesa redonda y debate\n20.30 h. Clausura\n\n  \nViernes\, 29 de mayo de 2026 \n\n18 h. Bienvenida y presentación a cargo del Museu Tàpies\n18.10 h. Conferencia «Las cicatrices de la guerra» a cargo de Beatriz Colomina\n18.50 h. Conferencia «Tàpies y la crítica de arte» a cargo de Victoria Combalía\n19.30 h. Pausa\n19.40 h. Mesa redonda y debate\n20 h. Acción sonora de clausura Vacío activo. Reflexiones sobre la nada a cargo de Rasheed Jalloul\n20.30 h. Final\n\n  \nPONENTES \n  \nCarlos Bunga \nCarlos Bunga crea obras orientadas al proceso —instalaciones\, performances\, vídeo\, dibujo\, escultura y pintura— que hacen referencia a su entorno arquitectónico inmediato e intervienen en él. Aunque utiliza materiales ordinarios y discretos\, las obras resultantes implican una complejidad conceptual derivada de la interrelación entre hacer y deshacer\, entre deshacer y rehacer\, entre investigación y experimentación. \nBunga atrajo por primera vez la atención internacional con su obra en la bienal de arte contemporáneo Manifesta 5 en San Sebastián (2004). Desde entonces ha presentado exposiciones individuales en CAM Fundação Gulbenkian (Lisboa\, 2025)\, MNCARS (Madrid\, 2022)\, Secession (Viena\, 2021)\, Whitechapel (Londres\, 2020)\, MAAT (Lisboa\, 2019)\, Haus Konstruktiv Museum (Zúric\, 2015)\, MACBA (Barcelona\, 2015)\, Hammer Museum (Los Ángeles\, 2011) y Pinacoteca de São Paulo (2010)\, entre otros. \nXavi Ceerre \nSu práctica pictórica\, de carácter procesual\, explora la fisicidad del gesto\, el error y la materia\, con especial interés en la huella del subconsciente colectivo en el espacio público y en las tensiones entre urbanismo y formas de subversión. \nEs graduado en Diseño Gráfico por la Escola Llotja y tiene un máster en Pintura por la UPV/EHU\, así como el máster de Formación del Profesorado de la Universidad de Barcelona. Ha ampliado su formación en la School of Visual Arts y en la Gerrit Rietveld Academie (Ámsterdam). \nExpone regularmente en la Galeria Carles Taché desde 2021\, y ha participado en ferias como Art-o-rama\, Estampa y CAN. Ha realizado residencias en centros como BilbaoArte\, Fabra i Coats o Piramidón\, entre otros. Su obra forma parte de colecciones públicas y privadas. \nBeatriz Colomina \nTiene la cátedra de Arquitectura Howard Crosby Butler\, y es directora del programa de doctorado en la Escuela de Arquitectura y directora fundadora del programa interdisciplinar Media and Modernity en la Universidad de Princeton. \nSus libros más recientes son Sick Architecture (MIT Press\, 2025) y We the Bacteria: Notes Toward Biotic Architecture (Lars Müller\, 2025). Recientemente ha co-comisariado con Mark Wigley la exposición We the Bacteria: Notes Toward Biotic Architecture en la Trienal de Milán 2025\, y The Other Side of the Hill en la Bienal de Venecia 2025. \nVictoria Combalía \nDoctora y profesora de Historia del Arte en la Universidad de Barcelona desde 1974. Fue investigadora invitada en el Institute of Fine Arts de Nueva York entre 1979 y 1981. Ha organizado más de sesenta exposiciones\, como Joan Brossa\, 1941-1991 (1991)\, Ver a Miró. La irradiación de Miró en el arte español (1993)\, Cómo nos vemos. Imágenes y arquetipos femeninos (1996)\, Kandinsky. Obras procedentes del Centre Pompidou (1996)\, Sean Scully (2005)\, Dora Maar\, a pesar de Picasso (2014) o Mujeres surrealistas (2017). Es especialista en Joan Miró y biógrafa de Dora Maar. \nHa publicado\, entre otros\, Estudios sobre Picasso (1981)\, Antoni Tàpies (1984)\, Picasso-Miró\, miradas cruzadas (1998)\, Amazonas con pincel (2006)\, Dora Maar\, más allá de Picasso (2013)\, Musas\, mecenas y amantes (2016) y Ver para vivir. Memorias (2024). Ha sido directora del Centre Cultural Tecla Sala y asesora artística de la Comunidad de Madrid. Fue nombrada Chevalier des Arts et des Lettres en 2003. Es presidenta del Comité Dora Maar. \nFederico Ferrari \nFilósofo y esteticista italiano\, profesor de Estética en la Accademia di Belle Arti di Brera. En 2020 fundó\, junto con Andrea Cortellessa y Riccardo Venturi\, Antinomie\, un sitio web dedicado a la relación entre la imagen y la palabra. En 2025\, bajo su impulso\, se creó el Centro di storia e teoria dell’arte (CeSTA)\, con sede en la Accademia di Brera. Ha publicado numerosos volúmenes en Italia y en el extranjero\, centrados tanto en la cuestión comunitaria dentro de los tejidos sociales desagregados propios de la civilización posmoderna como en la experiencia artística\, en su ambigua tensión entre la aspiración a otro mundo y su reducción a mercancía de lujo dentro de un mercado especulativo. \nEntre sus libros destacan La comunità errante (1997)\, Nudità (1999)\, Lo spazio critico (2004)\, Costellazioni (2006)\, Sub specie aeternitatis (2008)\, Il re è nudo (2011)\, Arte essenziale (2011)\, L’insieme vuoto (2013)\, L’anarca (2014; 2.ª ed. 2023)\, Visioni (2016)\, Oscillazioni (2016)\, Il silenzio dell’arte (2021)\, L’antinomia critica (2023)\, Ritratti (2025) y\, junto con Jean-Luc Nancy\, La pelle delle immagini (2003)\, Iconografia dell’autore (2006)\, La fin des fins (2015) y Estasi (2022). \nRasheed Jalloul \nArquitecto\, artista\, compositor e investigador libanés establecido en Barcelona. Su práctica se mueve entre la arquitectura\, el sonido y el lenguaje\, entendidos como sistemas interdependientes a través de los cuales se articula el espacio. Su metodología opera como un efecto Casimir político\, en el que vacuidades producidas por la calamidad reorganizan las condiciones perceptivas y mnemónicas. A través de esta noción de vacío activo\, aborda la ausencia como un campo de condicionamiento a partir del cual la forma emerge mediante procesos de sustracción y fluctuación\, lo que cuestiona las epistemologías coloniales del cuerpo y el espacio. \nActualmente\, Jalloul es residente en el Centre d’Arts Santa Mònica\, donde desarrolla una investigación sobre mediación espacial. Su trabajo se ha presentado en MACBA\, Kampnagel\, el Festival Sâlmon\, RCR Arquitectes y la Fundació Enric Miralles\, entre otros. \nJuan José Lahuerta \nHa sido profesor de Historia del Arte en la Escola Tècnica Superior d’Arquitectura de Barcelona. Ha enseñado en la Università Iuav di Venezia y en la Universidad de Nueva York\, entre otras. Ha sido conservador del Museu Picasso de Barcelona y jefe de colecciones del Museu Nacional d’Art de Catalunya. \nAlgunos de sus últimos libros son Religious Painting. Picasso and Max Von Moos (2015)\, Marginalia. Aby Warburg\, Carl Einstein (2015)\, Photography or Life: Popular Mies (2015)\, On Loos\, Ornament\, and Crime (2015)\, Antoni Gaudí. Ornament\, Fire\, and Ashes (2016) y Arte en la época del infierno (2022). \nHa sido comisario de exposiciones como Picasso. Romànic (MNAC\, Barcelona\, con la colaboración del Musée Picasso\, París\, 2015)\, Gaudí (MNAC\, Barcelona y Musée d’Orsay\, París\, 2022) y Julio González. Ser Artista (IVAM\, Valencia\, 2023)\, y ha escrito los respectivos catálogos. Es miembro del consejo científico de Casabella (Milán) y fundador y director de la editorial Mudito & Co (Barcelona\, Nueva York\, Venecia). \nJordana Mendelson \nJordana Mendelson es profesora agregada en el Departamento de Lenguas y Literaturas Española y Portuguesa de la Universidad de Nueva York\, donde entre 2020 y 2026 dirigió Espacio de Culturas\, un centro dedicado a desarrollar eventos y programas relacionados con España\, la península ibérica y América. Su investigación se centra en la cultura visual\, expositiva e impresa en la España de los años treinta. \nEs autora de Documenting Spain: Artists\, Exhibition Culture and the Modern Nation\, 1929-1939 (Penn State UP\, 2005)\, coeditora de Postcards: Ephemeral Histories of Modernity (Penn State UP\, 2010) y comisaria de Revistas y Guerra 1936-1939 (Madrid\, Museo Reina Sofía\, 2007) y Encounters with the 1930s (Madrid\, Museu Reina Sofía\, 2013). También es coeditora del Journal of Spanish Cultural Studies. Actualmente está trabajando en un manuscrito provisionalmente titulado Paper Routes: The Power of Design in 20th-Century Spain. \nLyu Wen \nArtista e investigadora interdisciplinar que está cursando un doctorado en el Departamento de Humanidades de la Universitat Pompeu Fabra. Su trabajo explora la intersección entre el arte de performance\, los medios digitales y la filosofía de la Escuela de Kyoto. \nTrabajando entre la performance\, el vídeo\, la instalación y la pintura\, desarrolla una aproximación basada en la práctica que nutre su investigación. Sus proyectos actuales investigan de qué modo acciones cotidianas\, como caminar y sentarse\, pueden transformarse en prácticas corporales de atención sostenida y conciencia. \n  \nCon la colaboración y la participación de la Cátedra Antoni Tàpies – UPF de Arte y Pensamiento Contemporáneos. \nActividad en el marco de Barcelona 2026\, Capital Mundial de la Arquitectura. \n  \n[Imagen: Antoni Tàpies\, Porta metàl·lica i violí\, 1956. Colección Museu Tàpies\, Barcelona. © Comissió Tàpies / VEGAP\, 2026.]
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SUMMARY:Àngel Jové. La constelación de un tiempo
DESCRIPTION:En el marco de la exposición Ángel Jové. De intactu\, proponemos una mesa de debate que aborde la figura de Àngel Jové desde una perspectiva relacional\, entendiendo su práctica no como un gesto aislado\, sino como parte de un campo de trabajo compartido que redefinió las condiciones de la creación artística en un momento de profunda transformación cultural. \nMás que una generación en sentido estricto\, lo que aquí se convoca es una constelación: un entramado de proximidades y fricciones entre artistas y pensadores que\, desde diversos lenguajes\, cuestionaron las formas establecidas de representación y exploraron nuevas articulaciones entre imagen\, materia y lenguaje. En este contexto\, la práctica de Jové se despliega como un espacio de permeabilidad\, donde el cine\, la poesía y la acción se convierten en dispositivos de experimentación y de pensamiento. La conferencia de apertura de esta mesa de debate\, a cargo de Xavier Antich\, propone un marco de lectura capaz de situar esta apertura de lenguajes en relación con las transformaciones culturales y políticas del momento\, así como con la necesidad -aún vigente- de repensar las formas de producción de sentido desde la práctica artística. \nEl debate posterior reúne Frederic Amat\, Antoni Llena\, Rosa Vergés y Patricia Dauder en una configuración que no responde únicamente a criterios generacionales\, sino a la posibilidad de activar correspondencias entre prácticas. En las trayectorias de Amat y Llena\, el gesto artístico se desplaza hacia zonas de indeterminación donde la materia\, el signo y el vacío operan como lenguajes abiertos\, en sintonía con las tensiones que atraviesan la obra de Jové. En ese mismo horizonte\, Rosa Vergés permite introducir la dimensión cinematográfica no sólo como medio\, sino como forma de pensamiento y construcción de temporalidad\, en diálogo con las experiencias fílmicas que articulan aquella constelación. Lejos de establecer una lectura cerrada\, la presencia de Patricia Dauder traslada este espacio de pensamiento hacia el presente\, no tanto para trazar una genealogía lineal como para señalar persistencias\, ecos y relecturas. Su práctica artística reactiva cuestiones ya presentes en ese momento —la fragilidad de la imagen\, la condición temporal de la experiencia\, la relación entre documento y ficción—\, poniéndolas en circulación dentro de otro régimen de sensibilidad. \nAsí pues\, la mesa\, moderada por Maria Josep Balsach\, comisaria de la muestra Ángel Jové. De intactu\, se configura como un espacio de pensamiento donde la memoria no opera como fijación de un pasado\, sino como campo de intensidades desde el que interrogar de nuevo las formas de relación entre arte\, vida y contexto. \n  \n[Àngel Jové. Serie Altra volta mossego un tros de pa. Cristòfol-Pavese\, 1908-2008 (2005-2007). Colección Petit Galeria\, Lleida.]
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SUMMARY:Presentación del libro «Gozos mínimos. Comentario parcial al "Libro de amigo y amado" de Ramon Llull
DESCRIPTION:  \nEl Museu Tàpies acoge la presentación del libro Gozos mínimos. Comentario parcial al «Libro de amigo y amado» de Ramon Llull\, de Amador Vega y con imágenes de Frederic Amat\, editado en edición bilingüe por Días Contados. Este acto contará con la presencia de Amador Vega\, Frederic Amat y Miquel Bassols. \n¿Qué significa amar o desear un texto escrito? La respuesta de Amador Vega es mantener ese texto en juego y movimiento. El Libro de amigo y amado del sabio mallorquín Ramon Llull (1275-1316)\, un clásico de la literatura espiritual europea\, es el guion de un drama vital que nunca es igual a sí mismo. Gozos mínimos es una escenificación de ese drama y documenta los gozos y tribulaciones de leerlo durante más de cuarenta años. Junto con las imágenes paratextuales de Frederic Amat\, este comentario lírico del «alma enamorada del filósofo» especula y canta con Llull\, viaja con anécdotas vitales propias y ajenas\, y tiene que vérselas con otros autores y con citas de más de 600 años de lectura con y contra la mística. \n  \nParticipantes: \nAmador Vega (Barcelona\, 1958) es filósofo y profesor en la Universitat Pompeu Fabra\, donde dirige el Centro de Estudios en Estética\, Religión y Cultura Contemporánea. Algunas de sus últimas publicaciones son Dia-Logos. Ramon Llull’s Method of Thought and Artistic Practice (2019) y Tentativas sobre el vacío. Ensayos de estética y religión (2022). Actualmente es Visiting Fellow del Warburg Institute (Universidad de Londres). \nFrederic Amat (Barcelona\, 1952) es un pintor y artista multidisciplinar cuya obra\, ampliamente expuesta y publicada internacionalmente\, transita por los territorios del teatro\, la literatura\, la danza\, el cine y la arquitectura. \nMiquel Bassols es psicoanalista en Barcelona\, miembro de l’École de la Cause freudienne y de la Comunitat de Catalunya de l’Escola Lacaniana de Psicoanàlisi. Docente del Institut del Camp Freudià. Doctorado por el Département de Psychanalyse de la Universidad de Paris 8 con una tesis sobre «L’amor\, la paraula i la lletra a Ramon Llull». Expresidente de la Association Mondiale de Psychanalyse (2014-2018). Traductor al catalán del escrito de Jacques Lacan\, _Lituraterra_\, con el comentario “Lecturaterra”\, publicado en Días Contados\, Barcelona 2021. \n 
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SUMMARY:Gran nus. Aquells llocs més discrets\, més continguts: els compartirem
DESCRIPTION:En el marco del programa Gran nus (gran nudo)\, presentamos Aquells llocs més discrets\, més continguts: els compartirem\, una acción expositiva de carácter efímero\, concebida para suceder durante un solo día. \nTomando como punto de partida la noción de cajón\, entendido como espacio íntimo\, contenedor de memoria y lugar donde se deposita aquello que rara vez se muestra\, los estudiantes de 3º de Bellas Artes de BAU\, Centro Universitario de Artes y Diseño de Barcelona — Dolça de la Ossa\, Marc Torre\, Alba Galbe\, Pere Vendrell\, Manuela Valencia\, Andrea\, Ari González\, Albert Subash\, Isaac Garriga\, Artyom Kiselev\, Mauro García\, y Salomé Espitia— activarán una serie de propuestas individuales que parten de sus propios cajones personales: archivos\, recuerdos\, procesos\, materiales\, intuiciones y fragmentos de trabajo que habitualmente permanecen ocultos. \nLa acción dialoga con el universo matérico de Antoni Tàpies\, tomando su obra Armari (1973) como punto de partida para subrayar el valor efímero y material de toda revelación: aquello que se abre por un instante y\, posteriormente\, vuelve a resguardarse. \n  \nImagen: detalle del Cartel del acto\, diseñado por los estudiantes
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SUMMARY:No nos esperéis. Poesía de Màrius Sampere. Barcelona Poesia 2026 en el Museu Tàpies
DESCRIPTION:  \nEl Museu Tàpies acoge el recital poético No nos esperéis. Poesía de Màrius Sampere en el marco del Festival Barcelona Poesia 2026. \nEl actor Lluís Marco (que pone la voz) y la pianista Sara Giusti interpretan la faceta musical del gran poeta Màrius Sampere\, cuyo centenario se conmemora este año. Marco y Giusti crean un diálogo que nos lleva a viajar por la poesía más espiritual de los cuarenta años de trayectoria literaria del poeta de Santa Coloma de Gramenet. Un recital-concierto poético que transita entre la ironía y el deseo de trascender y comprender la complejidad del mundo y la condición humana. Nos dejaremos llevar por la palabra hablada que se convierte en parte de la partitura y por la partitura que se transforma en palabra. \n  \nLluís Marco \nNacido en Badalona\, cuenta con una extensa trayectoria teatral\, televisiva y cinematográfica. Ha estado muy ligado profesionalmente al Teatre Lliure\, con obras como Romeu i Julieta\, Soldats de Salamina\, Rock ’n’ roll\, Nixon-Frost o Copenhague. En 2013 actuó en la Sala Petita del Teatre Nacional de Catalunya con Fum\, dirigida por Josep Maria Miró Coromina. En 2021 formó parte del montaje de L’oncle Vània con el director lituano Oskaras Koršunovas. Marco ha trabajado en series como Ventdelplà\, Hospital Central\, Hispania\, la leyenda\, Poblenou y Dinamita\, entre otras. También ha colaborado en numerosas películas\, y como actor de doblaje ha puesto voz a los actores Joe Pesci\, Clint Eastwood\, Ben Kingsley\, Bob Hoskins y Danny DeVito. \n  \nSara Giusti \nHa sido ganadora de numerosas competiciones desde edad temprana\, tanto en Italia\, su país de origen\, como en el extranjero. Destaca el primer premio en la Igor Stravinsky Competition (Italia\, 2003). Obtuvo el diploma de piano en el Conservatorio\, en la clase del pianista Benedetto Lupo\, en Italia\, así como un máster en Música y un doctorado en Artes Musicales en la clase del pianista Christopher Taylor en los Estados Unidos. Ha actuado en Italia\, Suiza\, los Estados Unidos y España en recitales solistas\, con orquesta y en formaciones de música de cámara. Además\, se ha dedicado a la enseñanza del piano con perfiles de alumnado diversos\, como estudiantes de la Universidad de Wisconsin (Estados Unidos) y niños en la escuela de música donde trabaja en Barcelona. Es ideadora y creadora de espectáculos teatrales y recitales\, como el espectáculo dedicado al compositor italiano Nino Rota. En 2020 escribió su primer libro de musicología\, dedicado al estudio de la música de Rota y publicado por la editorial Florestano (Italia). Actualmente\, colabora como pianista con el Conservatori del Liceu (Barcelona) y con la mezzosoprano Guisela Zannerini (Teatre del Liceu). \n 
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SUMMARY:Dia Internacional de los Museos 2026 en el Museu Tàpies
DESCRIPTION:Un año más\, el Museu Tàpies se suma a la celebración del Dia Internacional de los Museos con una media jornada especial de puertas abiertas\, este domingo 17 de mayo de 2026\, entre las 10 y las 15 h. \nLa iniciativa ofrece una excelente oportunidad para descubrir o redescubrir las actuales exposiciones del museo en un ambiente abierto a todos los públicos. Durante esta jornada\, los visitantes podrán disfrutar de dos muestras destacadas: “Antoni Tàpies. El movimiento perpetuo del muro” y “Àngel Jové. De intactu“. \nLa celebración del Día Internacional de los Museos se convierte\, así\, en una ocasión ideal para acercarse al arte contemporáneo y descubrir las propuestas del Museu Tàpies en un formato accesible y gratuito. \nLa exposición dedicada a Antoni Tàpies consiste en una exploración de la obra del artista a partir de sus contextos y modalidades de exhibición. Por su parte\, “De intactu”\, de Angel Jové\, invita al público a adentrarse en una propuesta artística marcada por la experimentación y la sensibilidad visual.
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SUMMARY:Agnès Pe. Scherzo nº 19 (para circuitos\, aire y síntesis)
DESCRIPTION:  \nun circuito que se degrada \nun archivo que se corrompe \nun feedback que crece demasiado \n  \nEl sonido como una materia física: no es vehículo\, sino presencia. No explica; es. Su sentido no proviene de una interpretación externa\, sino de sus cualidades —textura\, densidad\, forma— y de cómo afecta directamente al cuerpo. La relación con la obra no pasa por la decodificación\, sino por la inmersión en un régimen material que desborda el lenguaje y opera en el umbral entre percepción y experiencia. La escucha se desplaza hacia el límite: un circuito que se degrada\, un archivo que se corrompe\, un feedback que crece demasiado. De un modo quebrado y discontinuo\, la fragmentación impide un relato unívoco. La materia produce sentido por presencia y por interrupción\, abriendo espacios de indeterminación. La obra se convierte así en un campo de intensidades: acumulación\, fractura y residuo donde el sonido\, como cuerpo físico\, insiste y se transforma. \n  \nAgnès Pe desarrolla su práctica artística en la intersección de la experimentación sonora\, los artefactos digitales y la cultura pop subversiva. Trabaja con el sonido como materia prima\, explorando su capacidad de cuestionar convenciones\, provocar disonancias y generar nuevas narrativas. \nSu obra se centra en infraestructuras sonoras olvidadas\, errores tecnológicos y dispositivos obsoletos\, que recupera y transforma en herramientas creativas. Mediante el collage sonoro\, el plunderphonics\, la alteración digital y la computer music\, concibe la creación como un proceso lúdico y experimental que no busca respuestas cerradas\, sino espacios de fricción y diálogo con las expectativas del oyente. Su práctica se mueve entre la experimentación sonora\, la radio experimental y el espacio público\, siempre en busca de formas alternativas de difusión y recepción del sonido. \nSu obra se ha presentado en Conde Duque\, Matadero\, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía y CA2M (Madrid)\, en Tabakalera (San Sebastián)\, en el Centro Botín (Santander)\, en el MACBA (Barcelona)\, en el Centre d’Art La Panera (Lleida)\, en el Larraskito (Bilbao) y en el V2 Institute for the Ustable Media (Países Bajos)\, así como en festivales como BangFace (Reino Unido)\, Papiripar (Alemania)\, Counterflows (Escocia) o Piksel (Noruega). Ha colaborado con RRS (Radio del Museo Reina Sofía)\, RadioOn (Berlín) y Resonance Extra (Reino Unido). \nActualmente vive y trabaja en Barcelona\, donde compagina la docencia\, la producción radiofónica y la experimentación sonora. \n  \nUna propuesta en el marco de La Nit dels Museus 2026 en el Museu Tàpies \n 
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SUMMARY:"La Nit dels Museus" en el Museu Tàpies
DESCRIPTION:El Museu Tàpies participa\, un año más\, en La Nit dels Museus (La Noche de los Museos)\, en su edición del 16 de mayo de 2026\, con puertas abiertas\, dos exposiciones\, visitas comentadas gratuitas a las muestras y un paisaje sonoro\, a cargo del artista Agnès Pe. \n  \nPrograma \n· Puertas Abiertas: Las personas que visiten el Museu Tàpies el sábado\, 16 de mayo de 2026\, entre las 19.00 h y la 1.00 h\, podrán disfrutar de las siguientes exposiciones: “Antoni Tàpies. El movimiento perpetuo del muro” y “Àngel Jové. De intactu“. \n· Visitas comentadas gratuitas a las exposiciones: en lengua catalana.A las 20.00 h.\, a las 21.00 h.\, a las 22.00 h. ya las 23.00 h. Duración de cada visita: 45 minutos. | Inscripciones en recepción del museo\, según orden de llegada. Aforo limitado. \n· Acción sonora a cargo de la artista sonora Agnès Pe. En el Auditorio del Museu Tàpies. Tres pases de 20 minutos: a las 22 h\, a las 22.40 hy a las 23.20 h.Actividad gratuita\, sin reserva previa y con aforo limitado.
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SUMMARY:Blanca Tolsá y Albert Tarrats. microdesfase
DESCRIPTION:Con microdesfase\, Blanca Tolsà y Albert Tarrats transforman la escalinata de acceso a la terraza del Museo Tàpies en un organismo sonoro y coreográfico. A través del movimiento\, la voz y su modulación en directo\, activan un diálogo con la acústica reverberante del espacio y generan un paisaje caleidoscópico donde cuerpo\, sonido y tecnología se afectan mutuamente. \nLa pieza parte de un tono ligeramente inestable\, una insistencia que da paso a microdesplazamientos y tensiones armónicas: tonalidades que emergen como un relieve orgánico\, un espejismo auditivo que desafía la percepción e invita a una cierta forma de alucinación. \nEl sonido\, inyectado en el espacio\, retorna transformado: la arquitectura respira\, responde de forma imprevisible y reaviva su memoria. Deja de ser un contenedor inerte para convertirse en un cuerpo poroso y compartido. La activación del entorno —que quiere hacerse eco de la práctica del propio Antoni Tàpies\, quien buscaba realzar la cotidianidad como una dimensión potencialmente mágica— pone en valor los gestos sutiles\, los microdesplazamientos y los ecos que persisten cuando el sonido principal se desvanece. \nComo el artista\, que miraba fijamente un muro para alcanzar una forma de iluminación inspirada en la práctica zen\, microdesfase propone una experiencia contemplativa en la que la escucha atenta revela la riqueza oculta de lo aparentemente insignificante. \nSituada en un espacio de paso\, de camino hacia la escultura de Tàpies Mitjó (Calcetín)\, la performance invita al público a habitar un territorio de ilusión auditiva y alteración sensorial. Aquí\, la visión se difumina y la escucha se convierte en el centro de una experiencia a la vez colectiva e íntima\, en la que el sonido parece provenir tanto del cuerpo como del aire que lo rodea y desdibuja los límites entre emisión\, eco y reflejo. \n  \nBlanca Tolsà (Ontinyent\, 1991) es una bailarina y coreógrafa residente en Barcelona. Su investigación artística explora la relación entre voz\, movimiento y sonido poniendo el foco en sus asincronías. A través de sus piezas\, propone espacios que juegan con la percepción y conducen hacia lo ilusorio\, lo desplazado y lo disonante. \nHa sido artista residente en centros de creación contemporánea como La Caldera\, Graner\, Fabra i Coats\, Roca Umbert o el CC Barceloneta. Ha realizado las piezas Ecoica (2022) y Parafonías (2025). Actualmente amplía su práctica hacia espacios no teatrales para investigar arquitecturas con acústicas reverberantes. Sus trabajos se han presentado en los festivales Dansa Metropolitana y Dansa València\, así como en espacios como La Capella\, La Caldera o Danza en Breve. \nComo intérprete ha sido reconocida con el Premi Butaca 2020 por Wu Wei\, de Raquel Klein\, y con el Premio de la Crítica 2024 por La Quijá\, de Siberia Paloma Muñoz. Ha trabajado con numerosos coreógrafos de la escena catalana\, como Lipi Hernández\, Ariadna Montfort\, Raquel Klein\, Roberto Zappalà (IT)\, Albert Quesada\, La Fura dels Baus\, Magdalena Garzón\, Jacob Gómez\, Anna Macau\, Constanza Brncic\, Núria Guiu\, Siberia Paloma Muñoz\, Georgia Vardarou y João Lima. Se graduó en el Conservatorio Profesional de Danza del Institut del Teatre de Barcelona e inició su trayectoria como bailarina en la joven compañía IT Dansa\, con la que realizó giras internacionales. \n  \nAlbert Tarrats (Barcelona\, 1988) trabaja con sonido y electrónica. A través de actuaciones en vivo y de la construcción de objetos y dispositivos sonoros\, explora formatos auditivos alternativos y su relación con el espacio\, la escucha y los demás. Su práctica es esencialmente colaborativa\, tanto en la creación como en la producción\, e incluye el apoyo a otros artistas en el desarrollo de sus obras. Actualmente investiga bajo el nombre de Comprimir Muntanyes y forma parte del Grupo de Trabajo de Ràdio Web MACBA. \n  \nVestuario con la colaboración de Carla San Martín \n  \nActividad realizada en el marco del ciclo Siguiendo el sol. Destapando la mirada del Museu Tàpies\, comisariado por Carolina Ciuti. Con el apoyo y la colaboración de Graner – Centre de creació de dansa i arts vives. \n  \nImagen: Margaret Watts Hughes\, Impression Figure\, fecha desconocida. Pigmento sobre vidrio. Cortesía de Cyfarthfa Castle Museum and Art Gallery. Fotografía de Louis Porter. \n 
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CATEGORIES:Programas públicos
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SUMMARY:Visitas comentadas a las exposiciones\, a cargo de los comisarios
DESCRIPTION:  \nCiclo de visitas comentadas a cargo de los comisarios de las exposiciones vigentes en el Museu Tàpies. Una oportunidad única para visitar las muestras de la mano de los expertos. \n  \nPrograma \n· Miércoles\, 15 de abril de 2026\, a las 18 h\, tendrá lugar la visita comentada a la exposición Antoni Tàpies. El movimiento perpetuo del muro\, a cargo de Pablo Allepuz\, responsable de la Colección del Museu Tàpies y cocomisario de la exposición. \n· Jueves\, 14 de mayo de 2026\, a las 18 h\, tendrá lugar la visita comentada a la exposición Àngel Jové. De intactu\, a cargo de Maria Josep Balsach\, comisaria de la exposición.
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CATEGORIES:Educación
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SUMMARY:Descubre una joya modernista: La biblioteca del Museu Tàpies
DESCRIPTION:En el marco de la 19ª edición de la Noche de los Museos y del Día Internacional de los Museos\, os proponemos una visita a la Biblioteca del Museu Tàpies.  \nEsta actividad forma parte del proyecto impulsado por el Grup de Treball de Biblioteques de Museus  que tendrá lugar entre el 11 y el 18 de mayo en bibliotecas de museos de toda Cataluña. En nuestro caso\, coincide también con la iniciativa “Barcelona Capital Mundial de la Arquitectura 2026” \nOs invitamos a conocer una joya modernista ya que la biblioteca\, especializada en arte moderno y contemporáneo\, se encuentra en un edificio modernista de gran valor histórico\, diseñado en 1879 por el arquitecto Lluís Domènech i Montaner para albergar la sede de la editorial Montaner y Simón. \nDurante la visita se hará una breve introducción al edificio\, os explicaremos la singularidad de nuestra arquitectura y os mostraremos los fondos que conservamos. \n  \nCalendario de las sesiones \n\n Miércoles 13 de mayo de 2026\, a las 12:00h\, en la Biblioteca del Museu Tàpies. Requiere reserva previa\n Miércoles 13 de mayo de 2026\, a las 18:00h\, en la Biblioteca del Museu Tàpies. Requiere reserva previa\n\n  \nCalendario de las actividades propuestas en otras bibliotecas que participan en esta iniciativa: \n\nBiblioteca del Museu Etnològic del Montseny\nDescubre el nuevo catálogo en linea de la biblioteca del MEMGA. Difusión de la plataforma de consulta.\nDel 11 al 16 de mayo.\nBiblioteca del Museu Marítim\nSácale todo el jugo a la biblioteca MMB. Visita guiada\, descubrimiento de fondos\, servicios y espacios.\nLunes 11 de mayo\, de 11 a 12:30 h; miércoles 13 de mayo\, de 17:30 a 19 h; y viernes 15 de mayo\, de 11 a 12:30 h.\nIntercambio de libros y Puertas abiertas.  Lunes 18 de mayo\, de 10 a 14 h.\nBiblioteca del Museu Tèxtil\nConoce el patrimonio documental téxtil. Visita guiada\nJueves 14 de mayo\, a las 17:30 h\, y viernes 15 de mayo\, a las 11 h.\nBiblioteca Jacques Dupin (Fundació Joan Miró)\nPuertas abiertas. Visita guiada a la biblioteca.\nViernes 15 de mayo\, a partir de las 12 h.\nBiblioteca del Museu d’Art Modern de Tarragona\nPunto de autoservicio libre de revistas de arte\nSábado 16 de mayo\, de 10 a 12 h.
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SUMMARY:Ciclo "A contra-muro"
DESCRIPTION:  \nEl ciclo de encuentros A contra-muro se inscribe dentro del proyecto expositivo Antoni Tàpies. El movimiento perpetuo del muro y prolonga sus interrogantes hacia el presente. Partiendo del análisis de los contextos y modalidades de exhibición de la obra de Antoni Tàpies durante la década de 1950\, el programa propone activar el muro no solo como elemento formal o arquitectónico\, sino como dispositivo cultural\, político y sensible que articula la relación entre obra\, cuerpo y espacio. \nEn aquellos años\, el muro se convierte para Antoni Tàpies en mucho más que un soporte pictórico: es superficie activa\, lugar de inscripción de gestos\, memorias y tensiones\, pero también espacio de contacto con la arquitectura moderna\, el diseño gráfico\, la industria y el paisaje urbano en transformación. Las diversas soluciones de montaje que el artista exploró en sus exposiciones individuales de los años cincuenta revelan hasta qué punto las condiciones de exhibición forman parte del sentido mismo de la obra\, y cómo esta dialoga con formas específicas de vida\, producción cultural y percepción del mundo. \nTomando este legado como punto de partida\, el ciclo —moderado por la periodista cultural Clàudia Rius— propone una serie de diálogos contemporáneos entre artistas y agentes del sistema del arte que trabajan hoy desde preocupaciones afines: la materia y su carga simbólica\, la relación entre arte y arquitectura\, la presencia del cuerpo\, la dimensión afectiva del espacio expositivo o la capacidad del muro para funcionar como frontera\, soporte\, piel o lugar de resistencia. Lejos de una lectura historiográfica cerrada\, los encuentros activan la obra de Antoni Tàpies como un campo de resonancias desde el que pensar prácticas actuales de producción\, exhibición y mediación artística. \nCada encuentro aborda el muro desde una perspectiva específica —la fragilidad material\, la piel de la obra\, el cuerpo y el afecto—\, pero todos comparten la voluntad de cuestionar los límites entre objeto y espacio\, entre intimidad y esfera pública\, entre institucionalización y experiencia sensible. En este sentido\, el ciclo entiende el muro como un lugar de fricción y de imaginación compartida\, capaz de condensar conflictos\, deseos y formas de relación que atraviesan tanto la obra de Antoni Tàpies como las prácticas artísticas contemporáneas. \nEn un momento en que el papel del espacio expositivo vuelve a ser objeto de revisión —en cuanto a sus condiciones materiales\, simbólicas y políticas—\, A contra-muro propone establecer puentes entre pasado y presente\, entre los debates que marcaron una etapa clave de la modernidad artística y las preguntas que hoy interpelan a artistas\, instituciones y públicos. El muro\, lejos de ser un límite fijo\, se presenta\, pues\, como un espacio en perpetuo movimiento. \n  \nPróximas sesiones: \n  \n· Encuentro 3. Con Eva Fàbregas y Joana Roda\, de Bombon Projects. \nData: martes\, 12 de mayo de 2026\, a las 18 h. \n  \nSesiones anteriores: \n  \n· Encuentro 1: Con Lucía C. Pino y Patricia de Muga\, de la galeria Prats Nogueras Blanchard. \nFecha: martes\, 10 de marzo de 2026\, a las 18 h. \n  \n· Encuentro 2. Con Marria Pratts y Jordi Mayoral\, de la Galeria Mayoral. \nData: martes\, 14 de abril de 2026\, a las 18 h. \n  \n[Imagen: Antoni Tàpies. El crit. Groc i violeta (1953) Museu Tàpies\, Barcelona. © Comissió Tàpies / VEGAP\, 2026.]
URL:https://museutapies.org/es/event/ciclo-a-contra-muro/
CATEGORIES:Programas públicos
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SUMMARY:Territorios visuales. Taller de intervención creativa con las imágenes en torno a los paisajes en la obra de Àngel Jové
DESCRIPTION:Àngel Jové. Cuaderno italiano (1976-1981). Técnica mixta sobre papel.\n  \nTaller de intervención creativa en torno a los paisajes en la obra de Àngel Jové\, desde la narrativa fotográfica y la práctica compartida\, explorando imágenes y materiales dentro de la poética del arte povera. A cargo de Món Casas (CliCme·educació). \nMón Casas es fotógrafa\, docente\, investigadora\, comisaria y mediadora cultural\, que desarrolla su faceta educativa y de mediación artística desde CliCme·educació\, diseñando proyectos\, exposiciones y talleres para museos\, archivos y otras instituciones culturales. \nActividad dirigida a personas interesadas en las artes y la educación. No se requiere experiencia previa.
URL:https://museutapies.org/es/event/territorios-visuales-taller-de-intervencion-creativa-con-las-imagenes-en-torno-a-los-paisajes-en-la-obra-de-angel-jove-2/
CATEGORIES:Education
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