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SUMMARY:Vibe. El peso de la arena
DESCRIPTION:Vibe. El peso de la arena es una performance que se inspira en una cosmogonía del África negra\, y en la que objetos\, gestos y palabra forman parte de un mismo sistema de relaciones. En este espacio\, lo funcional y lo simbólico conviven sin jerarquías: lo cotidiano puede volverse ritual\, y el gesto más simple puede abrir una dimensión profunda y ancestral. \nLa pieza adopta la forma de un acto de adivinación situado en un contexto urbano contemporáneo. En lugar de la percusión\, utilizamos arena y dispositivos electrónicos que generan frecuencias capaces de ponerla en movimiento. Sobre esta superficie viva dibujamos\, evocamos y dejamos aflorar formas efímeras\, como si la propia materia intentase hablar. \nLa sorra es vibración\, energía latente\, movimiento. \nEl taburete es peso\, centro y estabilidad. \nEn el centro de la acción está el nkoh\, un taburete de la etnia bamileke. Me siento sobre él cubierto por una tela amplia que transforma el cuerpo en una figura casi piramidal. El taburete se convierte a la vez en asiento\, tambor\, trono y memoria: la silla escondida\, el trono del abuelo\, la silla frente a la puerta que espera sin esperar a nadie\, la presencia desde la que el cuerpo resuena. \nDos cámaras filman las mesas de dibujo y proyectan las imágenes sobre el muro. Las manos trabajando la arena se convierten así en una forma de adivinación digital: rastros inestables\, gestos inciertos\, apariciones y desapariciones continuas. \nLa performance explora también otras formas de sostener y transportar el cuerpo. Llevar a alguien a cuestas como a un niño\, improvisar asientos con sacos o estructuras precarias\, trasladar a un anciano entre dos palos de un pueblo a otro. Aquí\, la silla aparece no solo como un objeto funcional\, sino como una extensión del cuerpo\, una herramienta de supervivencia\, de cuidados y de transmisión. \nUna silla visible. \nOtra invisible. \nLa silla de vida. \n  \nXumo Nunjo. Artista independiente\, músico y productor camerunés afincado en Barcelona. Sus abuelos lo iniciaron en las artes escénicas tradicionales bamileke\, lo que ha marcado profundamente su sensibilidad artística y su recorrido creativo. Sus intereses abrazan la arquitectura\, la historia del arte\, la antropología\, el teatro y las artes visuales\, disciplinas que nutren una obra transversal y original. A lo largo de su trayectoria ha participado en la creación y producción de espectáculos\, discos\, performances\, proyectos de street art y campañas publicitarias. También ha actuado en distintos escenarios de Europa\, Estados Unidos\, Asia y África\, presentando trabajos originales que reflejan la riqueza de su universo artístico. \n  \nAngel Ihosvanny. Artista multidisciplinar que vive y trabaja entre Barcelona y Luanda. Su práctica\, que abarca pintura\, instalación\, vídeo y música\, aborda el urbanismo contemporáneo\, el consumismo y la transformación del entorno\, y ha sido presentada en contextos internacionales como la Trienal de Luanda y la Bienal de Venecia. \n  \nEl ciclo “Las sillas de Tàpies. Invocar la grieta” está comisariado por Judith Barnés.
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SUMMARY:Àngel Jové. Morder la imagen. Ciclo de cine
DESCRIPTION:  \nEl Museu Tàpies presenta\, en colaboración con el Espai Texas\, el ciclo de cine Àngel Jové. Morder la imagen\, una propuesta que\, en tres sesiones cronológicas\, recorre la dimensión cinematográfica de uno de los artistas más singulares de la escena catalana contemporánea en tanto que experimental\, interdisciplinar y radical. \nParalelamente a su trayectoria artística\, Jové desarrolló una actividad cinematográfica de un marcado carácter experimental. After (1968)\, que formaba parte de una performance\, hasta la creación de Primera muerte (1969) con el grupo conceptual El Maduixer —considerada la primera pieza de videoarte del Estado español—\, su obra audiovisual se convierte en un espacio de investigación radical sobre la imagen. Esta línea culmina en proyectos posteriores como Lo pedrís\, viatge per les terres de Ponent (1989)\, realizado con Benet Rossell y Carles Hac Mor. \nA partir de finales de los años setenta\, Jové se convierte también en una presencia recurrente en el cine de Bigas Luna y en un actor de culto gracias a películas como Bilbao (1978)\, Caniche (1979) o Angustia (1987)\, así como a otras producciones del cine catalán y español de los años ochenta y noventa. Su trayectoria artística ha sido igualmente objeto de atención cinematográfica\, como demuestran los documentales que Gonzalo Herralde le ha dedicado a lo largo de varias décadas. \nAsí pues\, el ciclo Àngel Jové. Morder la imagen propone una aproximación a esta dimensión audiovisual a través de tres sesiones que combinan proyecciones e intervenciones contextuales por parte de personas expertas\, con el objetivo de situar la figura de Àngel Jové\, de forma poliédrica\, en esta forma de registro. \n  \nPrograma \n  \nSesión 2 — La mirada de Gonzalo Herralde: los documentales sobre la obra y el pensamiento de Àngel Jové \nProyección de Capiscar la fior de la mà morta (1991) y Altra volta mossego un tros de pa. Cristòfol-Pavese (2007). \nUn diálogo entre Gonzalo Herralde y Maria Josep Balsach\, curadora de la exposición Àngel Jové. De intactu en el Museu Tàpies. \nFecha: miércoles 3 de junio\, 19 h \n  \nSesión 3 —  El cine experimental: prácticas conceptuales captadas en Primera muerte \nProyección de Primera muerte (1969) i Eco de Primera muerte (2017) \nLa última sesión incluirá una presentación de Daniel Pérez Pàmies\, profesor de Historia del Cinema (UdG) y miembro del grupo de investigación GROC\, y se cerrará con una intervención a cargo de Imma Prieto\, directora del Museu Tàpies\, que pondrá en relieve el papel de Jové en los inicios del videoarte. \nFecha: jueves 11 de junio\, 19 h \n  \nSesiones realizadas: \nSesión 1 — El cine de la transgresión: Àngel Jové y Bigas Luna como paradigma de los años 70  \nProyección de Bilbao (1978)\, de Bigas Luna \nEl ciclo se iniciará con una introducción de Jordi Balló\, que abordará la ruptura estética y temática que supuso esta obra. \nFecha: miércoles 20 de mayo\, 19 h \n  \nImagen: Àngel Jové. Eco de primera muerte\, 2017
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SUMMARY:Libro-muro. Club de lectura 2026
DESCRIPTION:En el marco de la exposición Àngel Jové. De intactu os proponemos un club de lectura con la colaboración de las librerías Finestres\, La Central y La Impossible. En esta ocasión\, la selección de los libros\, que como siempre correrá a cargo del librero o librera\, estará relacionada con la lista de libros publicados por la editorial Anagrama que incorporarán ilustraciones de Jové en sus portadas. \nLlibre-mur (Libro-muro\, 1990) es una obra de Antoni Tàpies que da título el ciclo de clubs de lectura que desde hace unos años organizamos con la colaboración de librerías del barrio sobre las exposiciones en curso. El interés de Tàpies por el libro\, como objeto y como fuente de conocimiento\, y el hecho de que el Museo ocupe el espacio de una antigua editorial\, la Montaner y Simón\, hacen propicios este tipo de diálogos en torno a la escritura\, la lectura y el arte. \n  \nCalendario de sesiones \n· Martes 2 de junio de 2026\, a las 18.30 h\, en la Biblioteca del Museu Tàpies: “Bajo el signo de marte“\, de Fritz Zorn (Editorial Anagrama)\, con Celia Esteva\, de la librería La Central. \n  \n· Martes 14 de julio de 2026\, a las 18.30 h\, en la Biblioteca del Museu Tàpies: “El héroe de las mansardas de Mansard“\, de Alvaro Pombo (Editorial Anagrama)\, con Olga Federico y Mireia Perelló\, de la librería La Impossible. \n  \n· Miércoles\, 16 de septiembre de 2026\, a las 18.30 h\, en la Biblioteca del Museu Tâpies: “El sobrino de Wittgenstein“\, de Thomas Bernhard (Editorial Anagrama)\, con Noelia Nistal\, de la librería Finestres. \n  \n[Imagen: Exposición “Àngel Jové. De intactu” del Museu Tàpies\, Barcelona. Fotografia: Pep Herrero\, 2026.]
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SUMMARY:El museo desplegable. Actividad para familias
DESCRIPTION:  \nOs invitamos a una actividad de presentación y activación de un desplegable que nos permitirá explorar la arquitectura del Museu Tàpies. A través de una serie de juegos y reflexiones descubriremos las particularidades de un edificio que fue creado para albergar una editorial y que al cabo de los años se convirtió en un museo de arte contemporáneo. \nDesplegable y actividad a cargo de El globus vermell . Se entregará un ejemplar gratuito a cada familia. \nEsta actividad se organiza en el marco del programa Barcelona 2026\, Capital Mundial de la Arquitectura. \n  \nEl globus vermell es una asociación cultural que desde 2009 trabaja con el objetivo de formar una ciudadanía crítica y exigente con el entorno urbano y darle poder para que pueda convertirse en un actor clave en la transformación de las ciudades hacia entornos urbanos más sanos y sostenibles. Desarrolla su labor a través de tres canales: el cultural (visitas guiadas\, itinerarios\, talleres\, publicaciones\, exposiciones\, etc.); el social (participación ciudadana\, eventos\, etc.)\, y el proyectual (diseño\, obra nueva y rehabilitación bajo los parámetros de la bioarquitectura).  \nForman parte del Projecte Educatiu de la Ciutat de Barcelona y del Consell d’Innovació Pedagògica (CIP) impulsado por el Institut Municipal d’Educació. También son firmantes del Compromís Ciutadà per a la Sostenibilitat. El 2012 recibió la Medalla COAC en reconocimiento a su labor y en 2017 el Sello de Calidad del CIP. Los impulsores de este colectivo son arquitectos que\, además del trabajo con El globus vermell\, compaginan el trabajo propio de proyectistas con la investigación\, la docencia universitaria\, la gestión cultural y la divulgación sobre la arquitectura y la ciudad.
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SUMMARY:La Montaner y Simón\, una editorial con historia. Itinerario
DESCRIPTION:  \nItinerario guiado que tiene como objetivo dar a conocer la historia de la antigua editorial Montaner y Simón a través de una visita al Museu Tàpies\, antigua sede de la editorial y obra del arquitecto modernista Lluís Domènech i Montaner\, y en dos edificios del mismo arquitecto en Barcelona que están estrechamente ligados a él: el palacio Montaner\, ahora sede de la delegación del gobierno de España en Cataluña\, y la Casa Thomas\, que hoy acoge la tienda de mobiliario de diseño Cubiñá. \nEsta actividad se organiza en el marco del programa Barcelona 2026\, Capital Mundial de la Arquitectura.
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SUMMARY:48 maneras de sentir
DESCRIPTION:En esta formación Oriol Vilapuig y Xavier Garriga nos propondrán poner el cuerpo en el centro\, sensibilizarlo para buscar formas de resonancia internas y externas. Confiar en los sentidos\, acoger un espacio y un tiempo de escucha. \nEn el taller se generarán pequeños gestos que nos permitan alterar las lógicas para construir otras relaciones. Crearemos imágenes para generar movimientos internos activando recursos para descubrirnos\, acompañar y aprender. \nEstas acciones dialogarán con la obra de Antoni Tàpies y también con otros autores como Erwin Wurm\, Fischli and Weiss\, Roman Signer\, Hicham Benohoud y Gertraud Platschek. \nA partir de materiales como ropa u objetos cotidianos\, las participantes explorarán la relación entre espacio\, cuerpo y objeto mediante acciones y gestos efímeros\, tanto individuales como colectivos. Estas acciones se documentarán con fotografías\, que servirán de base para realizar dibujos y se irán recopilando como parte del proceso que culminará con la preparación de un espacio expositivo donde se mostrarán y se activarán algunas de las acciones realizadas. \n  \nObjetivos: \n  \n• Poner en valor los lenguajes artísticos como herramientas de conocimiento\, expresión y construcción de pensamiento. \n• Relacionar referentes artísticos contemporáneos como motores de investigación y experimentación. \n• Fomentar la conciencia corporal y la relación cuerpo–objete mediante acciones\, gestos y movimientos efímeros. \n• Explorar la acción artística individual y colectiva como proceso de transformación de los objetos y del espacio. \n• Desarrollar procesos de documentación artística a través de la fotografía\, el dibujo y el registro escrito. \n• Traducir acciones performativas en dibujos\, instrucciones y formatos editoriales sencillos. \n• Potenciar el trabajo colaborativo y la creación de un archivo colectivo de acciones artísticas. \n• Diseñar y preparar un espacio expositivo que permita mostrar\, activar y reinterpretar las acciones realizadas. \n  \nSobre los formadores: \n  \nXavier Garriga (Sabadell\, 1961) es licenciado en Bellas Artes en la especialidad de escultura. Actualmente trabaja como profesor y formador de la escuela municipal de arte Illa de Sabadell y en ICE de la UAB\, donde imparte cursos de formación permanente de visual y plástica. \nOriol Vilapuig (Sabadell\, 1964) es licenciado en Bellas Artes por la Facultad de Bellas Artes Sant Jordi de Barcelona y estudia en la Escuela de Arte Eina. A partir del año 2000 entra a formar parte de la Escuela Municipal Illa de Sabadell como profesor de dibujo y en los talleres infantiles de arte. Su último trabajo centrado en el lenguaje del dibujo se ha expuesto en espacios como Caixaforum\, MACBA y Museu Tàpies.
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SUMMARY:Simposio "El muro y la ciudad. Dispositivos visuales de la modernidad"
DESCRIPTION:  \nEl simposio internacional El muro y la ciudad. Dispositivos visuales de la modernidad se vincula conceptualmente con la exposición Antoni Tàpies. El movimiento perpetuo del muro\, una muestra que actualmente puede verse en el Museu Tàpies y que ha sido comisariada por Imma Prieto y Pablo Allepuz. Esta exposición explora la obra del artista a partir de sus contextos y modalidades de exhibición\, y se centra en cuatro exposiciones individuales de los años cincuenta\, caracterizadas por grupos de obras y soluciones de montaje muy diversas. El conjunto permite situar la producción de Antoni Tàpies en relación con debates más amplios sobre arquitectura moderna\, diseño\, industria\, espacio urbano y formas de vida de la época. \nA partir de este marco conceptual\, el simposio internacional El muro y la ciudad. Dispositivos visuales de la modernidad propone una lectura crítica de la modernidad a través de los dispositivos materiales y visuales que la hicieron posible: muros\, fachadas\, pavimentos\, vitrinas\, carteles\, estructuras expositivas y espacios domésticos. Estos elementos\, aparentemente funcionales\, se convierten en agentes activos de mediación entre arte\, diseño\, arquitectura y experiencia perceptiva\, dado que la materia\, la luz\, el montaje visual y la disposición de los objetos influyen en la percepción estética y definen nuevas formas de ver\, habitar y entender la ciudad. \nEn el contexto de la reconstrucción europea posterior a la Segunda Guerra Mundial —y a la posguerra y el aislamiento cultural del franquismo en España—\, el espacio expositivo y el paisaje urbano actuaron como laboratorios de modernidad. Museos\, pabellones\, escaparates y viviendas se convirtieron en espacios experimentales donde arquitectura\, diseño y display generaban formas específicas de percepción\, marcando una sensibilidad visual y urbana propia de la posguerra. En Barcelona\, figuras como Antoni Tàpies\, Josep Antoni Coderch\, Antoni de Moragas Gallissà\, Oriol Bohigas\, Ricard Giralt Miracle o America Sanchez propusieron una sintaxis común: una modernidad artesanal y contenida\, con densidad matérica y gesto manual\, que articulaba arquitectura\, diseño y display visual. Su práctica no solo definía una cultura visual\, sino también un modelo de display que condicionaba la percepción estética del espacio y el objeto. \nEl simposio analiza estos dispositivos como prácticas activas de discurso y percepción que configuran imaginarios de comunidad\, memoria y relación entre cuerpo y arquitectura. Se revisitan los lenguajes expositivos\, arquitectónicos y gráficos de los años cincuenta y sesenta para interrogar su vigencia: ¿qué queda hoy del modo de concebir muros\, casas o la ciudad como espacios de pensamiento\, resistencia y percepción? ¿Qué continuidades o fracturas existen entre los dispositivos visuales de la modernidad y las prácticas actuales de museografía y urbanismo? Esta revisión permite pensar el museo y la ciudad contemporánea como espacios de crítica\, experimentación y experiencia estética\, donde la memoria del display moderno sigue siendo una estrategia de pensamiento y percepción. \nPara elaborar el programa\, se ha invitado a investigadores/as\, artistas\, arquitectos/as\, diseñadores/as y profesionales del ámbito curatorial a presentar propuestas que aborden estas cuestiones desde perspectivas críticas\, históricas o contemporáneas\, y con enfoques interdisciplinarios. El call for papers impulsado desde la Cátedra Antoni Tàpies – UPF de Arte y Pensamiento Contemporáneos amplia y profundiza la propuesta curatorial de la muestra\, invitando a investigar críticamente estas infraestructuras materiales y simbólicas desde perspectivas históricas y teóricas diversas\, tomando como punto de partida la exposición que actualmente se puede visitar en el Museu Tàpies. Más allá del relato expositivo\, el simposio abre un espacio de debate académico para analizar como estos dispositivos han modelado la percepción y la experiencia estética\, así como las dinámicas sociales y políticas inscritas en la ciudad moderna.  \n  \nPROGRAMA \nMiércoles\, 27 de mayo de 2026 \n\n18 h. Bienvenida y presentación a cargo del Museu Tàpies\n18.10 h. Conferencia «El muro que somos. Tàpies\, el espacio\, la obra» a cargo de Federico Ferrari\n18.50 h. Conferencia «El entorno y su influencia» a cargo de Xavi Ceerre\n19.20 h. Pausa\n19.30 h. Conferencia «Más allá del muro» a cargo de Carlos Bunga\n20.10 h. Mesa redonda y debate\n20.30 h. Clausura\n\n  \nJueves\, 28 de mayo de 2026 \n\n18 h. Bienvenida y presentación a cargo del Museu Tàpies\n18.10 h. Conferencia «Extramuros. De la silueta de la sombra del reflejo de la imagen» a cargo de Juan José Lahuerta\n\n18.50 h. Conferencia «Del ser a la nada. Objeto\, cuerpo y espacio en el arte de performance contemporáneo» a cargo de Lyu Wen \n19.20 h. Pausa \n19.30 h. Conferencia «El modelo Miró. La exposición de elementos efímeros como práctica artística» a cargo de Jordana Mendelson \n\n20.10 h. Mesa redonda y debate\n20.30 h. Clausura\n\n  \nViernes\, 29 de mayo de 2026 \n\n18 h. Bienvenida y presentación a cargo del Museu Tàpies\n18.10 h. Conferencia «Las cicatrices de la guerra» a cargo de Beatriz Colomina\n18.50 h. Conferencia «Tàpies y la crítica de arte» a cargo de Victoria Combalía\n19.30 h. Pausa\n19.40 h. Mesa redonda y debate\n20 h. Acción sonora de clausura Vacío activo. Reflexiones sobre la nada a cargo de Rasheed Jalloul\n20.30 h. Final\n\n  \nPONENTES \n  \nCarlos Bunga \nCarlos Bunga crea obras orientadas al proceso —instalaciones\, performances\, vídeo\, dibujo\, escultura y pintura— que hacen referencia a su entorno arquitectónico inmediato e intervienen en él. Aunque utiliza materiales ordinarios y discretos\, las obras resultantes implican una complejidad conceptual derivada de la interrelación entre hacer y deshacer\, entre deshacer y rehacer\, entre investigación y experimentación. \nBunga atrajo por primera vez la atención internacional con su obra en la bienal de arte contemporáneo Manifesta 5 en San Sebastián (2004). Desde entonces ha presentado exposiciones individuales en CAM Fundação Gulbenkian (Lisboa\, 2025)\, MNCARS (Madrid\, 2022)\, Secession (Viena\, 2021)\, Whitechapel (Londres\, 2020)\, MAAT (Lisboa\, 2019)\, Haus Konstruktiv Museum (Zúric\, 2015)\, MACBA (Barcelona\, 2015)\, Hammer Museum (Los Ángeles\, 2011) y Pinacoteca de São Paulo (2010)\, entre otros. \nXavi Ceerre \nSu práctica pictórica\, de carácter procesual\, explora la fisicidad del gesto\, el error y la materia\, con especial interés en la huella del subconsciente colectivo en el espacio público y en las tensiones entre urbanismo y formas de subversión. \nEs graduado en Diseño Gráfico por la Escola Llotja y tiene un máster en Pintura por la UPV/EHU\, así como el máster de Formación del Profesorado de la Universidad de Barcelona. Ha ampliado su formación en la School of Visual Arts y en la Gerrit Rietveld Academie (Ámsterdam). \nExpone regularmente en la Galeria Carles Taché desde 2021\, y ha participado en ferias como Art-o-rama\, Estampa y CAN. Ha realizado residencias en centros como BilbaoArte\, Fabra i Coats o Piramidón\, entre otros. Su obra forma parte de colecciones públicas y privadas. \nBeatriz Colomina \nTiene la cátedra de Arquitectura Howard Crosby Butler\, y es directora del programa de doctorado en la Escuela de Arquitectura y directora fundadora del programa interdisciplinar Media and Modernity en la Universidad de Princeton. \nSus libros más recientes son Sick Architecture (MIT Press\, 2025) y We the Bacteria: Notes Toward Biotic Architecture (Lars Müller\, 2025). Recientemente ha co-comisariado con Mark Wigley la exposición We the Bacteria: Notes Toward Biotic Architecture en la Trienal de Milán 2025\, y The Other Side of the Hill en la Bienal de Venecia 2025. \nVictoria Combalía \nDoctora y profesora de Historia del Arte en la Universidad de Barcelona desde 1974. Fue investigadora invitada en el Institute of Fine Arts de Nueva York entre 1979 y 1981. Ha organizado más de sesenta exposiciones\, como Joan Brossa\, 1941-1991 (1991)\, Ver a Miró. La irradiación de Miró en el arte español (1993)\, Cómo nos vemos. Imágenes y arquetipos femeninos (1996)\, Kandinsky. Obras procedentes del Centre Pompidou (1996)\, Sean Scully (2005)\, Dora Maar\, a pesar de Picasso (2014) o Mujeres surrealistas (2017). Es especialista en Joan Miró y biógrafa de Dora Maar. \nHa publicado\, entre otros\, Estudios sobre Picasso (1981)\, Antoni Tàpies (1984)\, Picasso-Miró\, miradas cruzadas (1998)\, Amazonas con pincel (2006)\, Dora Maar\, más allá de Picasso (2013)\, Musas\, mecenas y amantes (2016) y Ver para vivir. Memorias (2024). Ha sido directora del Centre Cultural Tecla Sala y asesora artística de la Comunidad de Madrid. Fue nombrada Chevalier des Arts et des Lettres en 2003. Es presidenta del Comité Dora Maar. \nFederico Ferrari \nFilósofo y esteticista italiano\, profesor de Estética en la Accademia di Belle Arti di Brera. En 2020 fundó\, junto con Andrea Cortellessa y Riccardo Venturi\, Antinomie\, un sitio web dedicado a la relación entre la imagen y la palabra. En 2025\, bajo su impulso\, se creó el Centro di storia e teoria dell’arte (CeSTA)\, con sede en la Accademia di Brera. Ha publicado numerosos volúmenes en Italia y en el extranjero\, centrados tanto en la cuestión comunitaria dentro de los tejidos sociales desagregados propios de la civilización posmoderna como en la experiencia artística\, en su ambigua tensión entre la aspiración a otro mundo y su reducción a mercancía de lujo dentro de un mercado especulativo. \nEntre sus libros destacan La comunità errante (1997)\, Nudità (1999)\, Lo spazio critico (2004)\, Costellazioni (2006)\, Sub specie aeternitatis (2008)\, Il re è nudo (2011)\, Arte essenziale (2011)\, L’insieme vuoto (2013)\, L’anarca (2014; 2.ª ed. 2023)\, Visioni (2016)\, Oscillazioni (2016)\, Il silenzio dell’arte (2021)\, L’antinomia critica (2023)\, Ritratti (2025) y\, junto con Jean-Luc Nancy\, La pelle delle immagini (2003)\, Iconografia dell’autore (2006)\, La fin des fins (2015) y Estasi (2022). \nRasheed Jalloul \nArquitecto\, artista\, compositor e investigador libanés establecido en Barcelona. Su práctica se mueve entre la arquitectura\, el sonido y el lenguaje\, entendidos como sistemas interdependientes a través de los cuales se articula el espacio. Su metodología opera como un efecto Casimir político\, en el que vacuidades producidas por la calamidad reorganizan las condiciones perceptivas y mnemónicas. A través de esta noción de vacío activo\, aborda la ausencia como un campo de condicionamiento a partir del cual la forma emerge mediante procesos de sustracción y fluctuación\, lo que cuestiona las epistemologías coloniales del cuerpo y el espacio. \nActualmente\, Jalloul es residente en el Centre d’Arts Santa Mònica\, donde desarrolla una investigación sobre mediación espacial. Su trabajo se ha presentado en MACBA\, Kampnagel\, el Festival Sâlmon\, RCR Arquitectes y la Fundació Enric Miralles\, entre otros. \nJuan José Lahuerta \nHa sido profesor de Historia del Arte en la Escola Tècnica Superior d’Arquitectura de Barcelona. Ha enseñado en la Università Iuav di Venezia y en la Universidad de Nueva York\, entre otras. Ha sido conservador del Museu Picasso de Barcelona y jefe de colecciones del Museu Nacional d’Art de Catalunya. \nAlgunos de sus últimos libros son Religious Painting. Picasso and Max Von Moos (2015)\, Marginalia. Aby Warburg\, Carl Einstein (2015)\, Photography or Life: Popular Mies (2015)\, On Loos\, Ornament\, and Crime (2015)\, Antoni Gaudí. Ornament\, Fire\, and Ashes (2016) y Arte en la época del infierno (2022). \nHa sido comisario de exposiciones como Picasso. Romànic (MNAC\, Barcelona\, con la colaboración del Musée Picasso\, París\, 2015)\, Gaudí (MNAC\, Barcelona y Musée d’Orsay\, París\, 2022) y Julio González. Ser Artista (IVAM\, Valencia\, 2023)\, y ha escrito los respectivos catálogos. Es miembro del consejo científico de Casabella (Milán) y fundador y director de la editorial Mudito & Co (Barcelona\, Nueva York\, Venecia). \nJordana Mendelson \nJordana Mendelson es profesora agregada en el Departamento de Lenguas y Literaturas Española y Portuguesa de la Universidad de Nueva York\, donde entre 2020 y 2026 dirigió Espacio de Culturas\, un centro dedicado a desarrollar eventos y programas relacionados con España\, la península ibérica y América. Su investigación se centra en la cultura visual\, expositiva e impresa en la España de los años treinta. \nEs autora de Documenting Spain: Artists\, Exhibition Culture and the Modern Nation\, 1929-1939 (Penn State UP\, 2005)\, coeditora de Postcards: Ephemeral Histories of Modernity (Penn State UP\, 2010) y comisaria de Revistas y Guerra 1936-1939 (Madrid\, Museo Reina Sofía\, 2007) y Encounters with the 1930s (Madrid\, Museu Reina Sofía\, 2013). También es coeditora del Journal of Spanish Cultural Studies. Actualmente está trabajando en un manuscrito provisionalmente titulado Paper Routes: The Power of Design in 20th-Century Spain. \nLyu Wen \nArtista e investigadora interdisciplinar que está cursando un doctorado en el Departamento de Humanidades de la Universitat Pompeu Fabra. Su trabajo explora la intersección entre el arte de performance\, los medios digitales y la filosofía de la Escuela de Kyoto. \nTrabajando entre la performance\, el vídeo\, la instalación y la pintura\, desarrolla una aproximación basada en la práctica que nutre su investigación. Sus proyectos actuales investigan de qué modo acciones cotidianas\, como caminar y sentarse\, pueden transformarse en prácticas corporales de atención sostenida y conciencia. \n  \nCon la colaboración y la participación de la Cátedra Antoni Tàpies – UPF de Arte y Pensamiento Contemporáneos. \nActividad en el marco de Barcelona 2026\, Capital Mundial de la Arquitectura. \n  \n[Imagen: Antoni Tàpies\, Porta metàl·lica i violí\, 1956. Colección Museu Tàpies\, Barcelona. © Comissió Tàpies / VEGAP\, 2026.]
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SUMMARY:Àngel Jové. La constelación de un tiempo
DESCRIPTION:En el marco de la exposición Ángel Jové. De intactu\, proponemos una mesa de debate que aborde la figura de Àngel Jové desde una perspectiva relacional\, entendiendo su práctica no como un gesto aislado\, sino como parte de un campo de trabajo compartido que redefinió las condiciones de la creación artística en un momento de profunda transformación cultural. \nMás que una generación en sentido estricto\, lo que aquí se convoca es una constelación: un entramado de proximidades y fricciones entre artistas y pensadores que\, desde diversos lenguajes\, cuestionaron las formas establecidas de representación y exploraron nuevas articulaciones entre imagen\, materia y lenguaje. En este contexto\, la práctica de Jové se despliega como un espacio de permeabilidad\, donde el cine\, la poesía y la acción se convierten en dispositivos de experimentación y de pensamiento. La conferencia de apertura de esta mesa de debate\, a cargo de Xavier Antich\, propone un marco de lectura capaz de situar esta apertura de lenguajes en relación con las transformaciones culturales y políticas del momento\, así como con la necesidad -aún vigente- de repensar las formas de producción de sentido desde la práctica artística. \nEl debate posterior reúne Frederic Amat\, Antoni Llena\, Rosa Vergés y Patricia Dauder en una configuración que no responde únicamente a criterios generacionales\, sino a la posibilidad de activar correspondencias entre prácticas. En las trayectorias de Amat y Llena\, el gesto artístico se desplaza hacia zonas de indeterminación donde la materia\, el signo y el vacío operan como lenguajes abiertos\, en sintonía con las tensiones que atraviesan la obra de Jové. En ese mismo horizonte\, Rosa Vergés permite introducir la dimensión cinematográfica no sólo como medio\, sino como forma de pensamiento y construcción de temporalidad\, en diálogo con las experiencias fílmicas que articulan aquella constelación. Lejos de establecer una lectura cerrada\, la presencia de Patricia Dauder traslada este espacio de pensamiento hacia el presente\, no tanto para trazar una genealogía lineal como para señalar persistencias\, ecos y relecturas. Su práctica artística reactiva cuestiones ya presentes en ese momento —la fragilidad de la imagen\, la condición temporal de la experiencia\, la relación entre documento y ficción—\, poniéndolas en circulación dentro de otro régimen de sensibilidad. \nAsí pues\, la mesa\, moderada por Maria Josep Balsach\, comisaria de la muestra Ángel Jové. De intactu\, se configura como un espacio de pensamiento donde la memoria no opera como fijación de un pasado\, sino como campo de intensidades desde el que interrogar de nuevo las formas de relación entre arte\, vida y contexto. \n  \n[Àngel Jové. Serie Altra volta mossego un tros de pa. Cristòfol-Pavese\, 1908-2008 (2005-2007). Colección Petit Galeria\, Lleida.]
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SUMMARY:Presentación del libro «Gozos mínimos. Comentario parcial al "Libro de amigo y amado" de Ramon Llull
DESCRIPTION:  \nEl Museu Tàpies acoge la presentación del libro Gozos mínimos. Comentario parcial al «Libro de amigo y amado» de Ramon Llull\, de Amador Vega y con imágenes de Frederic Amat\, editado en edición bilingüe por Días Contados. Este acto contará con la presencia de Amador Vega\, Frederic Amat y Miquel Bassols. \n¿Qué significa amar o desear un texto escrito? La respuesta de Amador Vega es mantener ese texto en juego y movimiento. El Libro de amigo y amado del sabio mallorquín Ramon Llull (1275-1316)\, un clásico de la literatura espiritual europea\, es el guion de un drama vital que nunca es igual a sí mismo. Gozos mínimos es una escenificación de ese drama y documenta los gozos y tribulaciones de leerlo durante más de cuarenta años. Junto con las imágenes paratextuales de Frederic Amat\, este comentario lírico del «alma enamorada del filósofo» especula y canta con Llull\, viaja con anécdotas vitales propias y ajenas\, y tiene que vérselas con otros autores y con citas de más de 600 años de lectura con y contra la mística. \n  \nParticipantes: \nAmador Vega (Barcelona\, 1958) es filósofo y profesor en la Universitat Pompeu Fabra\, donde dirige el Centro de Estudios en Estética\, Religión y Cultura Contemporánea. Algunas de sus últimas publicaciones son Dia-Logos. Ramon Llull’s Method of Thought and Artistic Practice (2019) y Tentativas sobre el vacío. Ensayos de estética y religión (2022). Actualmente es Visiting Fellow del Warburg Institute (Universidad de Londres). \nFrederic Amat (Barcelona\, 1952) es un pintor y artista multidisciplinar cuya obra\, ampliamente expuesta y publicada internacionalmente\, transita por los territorios del teatro\, la literatura\, la danza\, el cine y la arquitectura. \nMiquel Bassols es psicoanalista en Barcelona\, miembro de l’École de la Cause freudienne y de la Comunitat de Catalunya de l’Escola Lacaniana de Psicoanàlisi. Docente del Institut del Camp Freudià. Doctorado por el Département de Psychanalyse de la Universidad de Paris 8 con una tesis sobre «L’amor\, la paraula i la lletra a Ramon Llull». Expresidente de la Association Mondiale de Psychanalyse (2014-2018). Traductor al catalán del escrito de Jacques Lacan\, _Lituraterra_\, con el comentario “Lecturaterra”\, publicado en Días Contados\, Barcelona 2021. \n 
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SUMMARY:Gran nus. Aquells llocs més discrets\, més continguts: els compartirem
DESCRIPTION:En el marco del programa Gran nus (gran nudo)\, presentamos Aquells llocs més discrets\, més continguts: els compartirem\, una acción expositiva de carácter efímero\, concebida para suceder durante un solo día. \nTomando como punto de partida la noción de cajón\, entendido como espacio íntimo\, contenedor de memoria y lugar donde se deposita aquello que rara vez se muestra\, los estudiantes de 3º de Bellas Artes de BAU\, Centro Universitario de Artes y Diseño de Barcelona — Dolça de la Ossa\, Marc Torre\, Alba Galbe\, Pere Vendrell\, Manuela Valencia\, Andrea\, Ari González\, Albert Subash\, Isaac Garriga\, Artyom Kiselev\, Mauro García\, y Salomé Espitia— activarán una serie de propuestas individuales que parten de sus propios cajones personales: archivos\, recuerdos\, procesos\, materiales\, intuiciones y fragmentos de trabajo que habitualmente permanecen ocultos. \nLa acción dialoga con el universo matérico de Antoni Tàpies\, tomando su obra Armari (1973) como punto de partida para subrayar el valor efímero y material de toda revelación: aquello que se abre por un instante y\, posteriormente\, vuelve a resguardarse. \n  \nImagen: detalle del Cartel del acto\, diseñado por los estudiantes
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SUMMARY:No nos esperéis. Poesía de Màrius Sampere. Barcelona Poesia 2026 en el Museu Tàpies
DESCRIPTION:  \nEl Museu Tàpies acoge el recital poético No nos esperéis. Poesía de Màrius Sampere en el marco del Festival Barcelona Poesia 2026. \nEl actor Lluís Marco (que pone la voz) y la pianista Sara Giusti interpretan la faceta musical del gran poeta Màrius Sampere\, cuyo centenario se conmemora este año. Marco y Giusti crean un diálogo que nos lleva a viajar por la poesía más espiritual de los cuarenta años de trayectoria literaria del poeta de Santa Coloma de Gramenet. Un recital-concierto poético que transita entre la ironía y el deseo de trascender y comprender la complejidad del mundo y la condición humana. Nos dejaremos llevar por la palabra hablada que se convierte en parte de la partitura y por la partitura que se transforma en palabra. \n  \nLluís Marco \nNacido en Badalona\, cuenta con una extensa trayectoria teatral\, televisiva y cinematográfica. Ha estado muy ligado profesionalmente al Teatre Lliure\, con obras como Romeu i Julieta\, Soldats de Salamina\, Rock ’n’ roll\, Nixon-Frost o Copenhague. En 2013 actuó en la Sala Petita del Teatre Nacional de Catalunya con Fum\, dirigida por Josep Maria Miró Coromina. En 2021 formó parte del montaje de L’oncle Vània con el director lituano Oskaras Koršunovas. Marco ha trabajado en series como Ventdelplà\, Hospital Central\, Hispania\, la leyenda\, Poblenou y Dinamita\, entre otras. También ha colaborado en numerosas películas\, y como actor de doblaje ha puesto voz a los actores Joe Pesci\, Clint Eastwood\, Ben Kingsley\, Bob Hoskins y Danny DeVito. \n  \nSara Giusti \nHa sido ganadora de numerosas competiciones desde edad temprana\, tanto en Italia\, su país de origen\, como en el extranjero. Destaca el primer premio en la Igor Stravinsky Competition (Italia\, 2003). Obtuvo el diploma de piano en el Conservatorio\, en la clase del pianista Benedetto Lupo\, en Italia\, así como un máster en Música y un doctorado en Artes Musicales en la clase del pianista Christopher Taylor en los Estados Unidos. Ha actuado en Italia\, Suiza\, los Estados Unidos y España en recitales solistas\, con orquesta y en formaciones de música de cámara. Además\, se ha dedicado a la enseñanza del piano con perfiles de alumnado diversos\, como estudiantes de la Universidad de Wisconsin (Estados Unidos) y niños en la escuela de música donde trabaja en Barcelona. Es ideadora y creadora de espectáculos teatrales y recitales\, como el espectáculo dedicado al compositor italiano Nino Rota. En 2020 escribió su primer libro de musicología\, dedicado al estudio de la música de Rota y publicado por la editorial Florestano (Italia). Actualmente\, colabora como pianista con el Conservatori del Liceu (Barcelona) y con la mezzosoprano Guisela Zannerini (Teatre del Liceu). \n 
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SUMMARY:Dia Internacional de los Museos 2026 en el Museu Tàpies
DESCRIPTION:Un año más\, el Museu Tàpies se suma a la celebración del Dia Internacional de los Museos con una media jornada especial de puertas abiertas\, este domingo 17 de mayo de 2026\, entre las 10 y las 15 h. \nLa iniciativa ofrece una excelente oportunidad para descubrir o redescubrir las actuales exposiciones del museo en un ambiente abierto a todos los públicos. Durante esta jornada\, los visitantes podrán disfrutar de dos muestras destacadas: “Antoni Tàpies. El movimiento perpetuo del muro” y “Àngel Jové. De intactu“. \nLa celebración del Día Internacional de los Museos se convierte\, así\, en una ocasión ideal para acercarse al arte contemporáneo y descubrir las propuestas del Museu Tàpies en un formato accesible y gratuito. \nLa exposición dedicada a Antoni Tàpies consiste en una exploración de la obra del artista a partir de sus contextos y modalidades de exhibición. Por su parte\, “De intactu”\, de Angel Jové\, invita al público a adentrarse en una propuesta artística marcada por la experimentación y la sensibilidad visual.
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SUMMARY:Agnès Pe. Scherzo nº 19 (para circuitos\, aire y síntesis)
DESCRIPTION:  \nun circuito que se degrada \nun archivo que se corrompe \nun feedback que crece demasiado \n  \nEl sonido como una materia física: no es vehículo\, sino presencia. No explica; es. Su sentido no proviene de una interpretación externa\, sino de sus cualidades —textura\, densidad\, forma— y de cómo afecta directamente al cuerpo. La relación con la obra no pasa por la decodificación\, sino por la inmersión en un régimen material que desborda el lenguaje y opera en el umbral entre percepción y experiencia. La escucha se desplaza hacia el límite: un circuito que se degrada\, un archivo que se corrompe\, un feedback que crece demasiado. De un modo quebrado y discontinuo\, la fragmentación impide un relato unívoco. La materia produce sentido por presencia y por interrupción\, abriendo espacios de indeterminación. La obra se convierte así en un campo de intensidades: acumulación\, fractura y residuo donde el sonido\, como cuerpo físico\, insiste y se transforma. \n  \nAgnès Pe desarrolla su práctica artística en la intersección de la experimentación sonora\, los artefactos digitales y la cultura pop subversiva. Trabaja con el sonido como materia prima\, explorando su capacidad de cuestionar convenciones\, provocar disonancias y generar nuevas narrativas. \nSu obra se centra en infraestructuras sonoras olvidadas\, errores tecnológicos y dispositivos obsoletos\, que recupera y transforma en herramientas creativas. Mediante el collage sonoro\, el plunderphonics\, la alteración digital y la computer music\, concibe la creación como un proceso lúdico y experimental que no busca respuestas cerradas\, sino espacios de fricción y diálogo con las expectativas del oyente. Su práctica se mueve entre la experimentación sonora\, la radio experimental y el espacio público\, siempre en busca de formas alternativas de difusión y recepción del sonido. \nSu obra se ha presentado en Conde Duque\, Matadero\, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía y CA2M (Madrid)\, en Tabakalera (San Sebastián)\, en el Centro Botín (Santander)\, en el MACBA (Barcelona)\, en el Centre d’Art La Panera (Lleida)\, en el Larraskito (Bilbao) y en el V2 Institute for the Ustable Media (Países Bajos)\, así como en festivales como BangFace (Reino Unido)\, Papiripar (Alemania)\, Counterflows (Escocia) o Piksel (Noruega). Ha colaborado con RRS (Radio del Museo Reina Sofía)\, RadioOn (Berlín) y Resonance Extra (Reino Unido). \nActualmente vive y trabaja en Barcelona\, donde compagina la docencia\, la producción radiofónica y la experimentación sonora. \n  \nUna propuesta en el marco de La Nit dels Museus 2026 en el Museu Tàpies \n 
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SUMMARY:"La Nit dels Museus" en el Museu Tàpies
DESCRIPTION:El Museu Tàpies participa\, un año más\, en La Nit dels Museus (La Noche de los Museos)\, en su edición del 16 de mayo de 2026\, con puertas abiertas\, dos exposiciones\, visitas comentadas gratuitas a las muestras y un paisaje sonoro\, a cargo del artista Agnès Pe. \n  \nPrograma \n· Puertas Abiertas: Las personas que visiten el Museu Tàpies el sábado\, 16 de mayo de 2026\, entre las 19.00 h y la 1.00 h\, podrán disfrutar de las siguientes exposiciones: “Antoni Tàpies. El movimiento perpetuo del muro” y “Àngel Jové. De intactu“. \n· Visitas comentadas gratuitas a las exposiciones: en lengua catalana.A las 20.00 h.\, a las 21.00 h.\, a las 22.00 h. ya las 23.00 h. Duración de cada visita: 45 minutos. | Inscripciones en recepción del museo\, según orden de llegada. Aforo limitado. \n· Acción sonora a cargo de la artista sonora Agnès Pe. En el Auditorio del Museu Tàpies. Tres pases de 20 minutos: a las 22 h\, a las 22.40 hy a las 23.20 h.Actividad gratuita\, sin reserva previa y con aforo limitado.
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SUMMARY:Blanca Tolsá y Albert Tarrats. microdesfase
DESCRIPTION:Con microdesfase\, Blanca Tolsà y Albert Tarrats transforman la escalinata de acceso a la terraza del Museo Tàpies en un organismo sonoro y coreográfico. A través del movimiento\, la voz y su modulación en directo\, activan un diálogo con la acústica reverberante del espacio y generan un paisaje caleidoscópico donde cuerpo\, sonido y tecnología se afectan mutuamente. \nLa pieza parte de un tono ligeramente inestable\, una insistencia que da paso a microdesplazamientos y tensiones armónicas: tonalidades que emergen como un relieve orgánico\, un espejismo auditivo que desafía la percepción e invita a una cierta forma de alucinación. \nEl sonido\, inyectado en el espacio\, retorna transformado: la arquitectura respira\, responde de forma imprevisible y reaviva su memoria. Deja de ser un contenedor inerte para convertirse en un cuerpo poroso y compartido. La activación del entorno —que quiere hacerse eco de la práctica del propio Antoni Tàpies\, quien buscaba realzar la cotidianidad como una dimensión potencialmente mágica— pone en valor los gestos sutiles\, los microdesplazamientos y los ecos que persisten cuando el sonido principal se desvanece. \nComo el artista\, que miraba fijamente un muro para alcanzar una forma de iluminación inspirada en la práctica zen\, microdesfase propone una experiencia contemplativa en la que la escucha atenta revela la riqueza oculta de lo aparentemente insignificante. \nSituada en un espacio de paso\, de camino hacia la escultura de Tàpies Mitjó (Calcetín)\, la performance invita al público a habitar un territorio de ilusión auditiva y alteración sensorial. Aquí\, la visión se difumina y la escucha se convierte en el centro de una experiencia a la vez colectiva e íntima\, en la que el sonido parece provenir tanto del cuerpo como del aire que lo rodea y desdibuja los límites entre emisión\, eco y reflejo. \n  \nBlanca Tolsà (Ontinyent\, 1991) es una bailarina y coreógrafa residente en Barcelona. Su investigación artística explora la relación entre voz\, movimiento y sonido poniendo el foco en sus asincronías. A través de sus piezas\, propone espacios que juegan con la percepción y conducen hacia lo ilusorio\, lo desplazado y lo disonante. \nHa sido artista residente en centros de creación contemporánea como La Caldera\, Graner\, Fabra i Coats\, Roca Umbert o el CC Barceloneta. Ha realizado las piezas Ecoica (2022) y Parafonías (2025). Actualmente amplía su práctica hacia espacios no teatrales para investigar arquitecturas con acústicas reverberantes. Sus trabajos se han presentado en los festivales Dansa Metropolitana y Dansa València\, así como en espacios como La Capella\, La Caldera o Danza en Breve. \nComo intérprete ha sido reconocida con el Premi Butaca 2020 por Wu Wei\, de Raquel Klein\, y con el Premio de la Crítica 2024 por La Quijá\, de Siberia Paloma Muñoz. Ha trabajado con numerosos coreógrafos de la escena catalana\, como Lipi Hernández\, Ariadna Montfort\, Raquel Klein\, Roberto Zappalà (IT)\, Albert Quesada\, La Fura dels Baus\, Magdalena Garzón\, Jacob Gómez\, Anna Macau\, Constanza Brncic\, Núria Guiu\, Siberia Paloma Muñoz\, Georgia Vardarou y João Lima. Se graduó en el Conservatorio Profesional de Danza del Institut del Teatre de Barcelona e inició su trayectoria como bailarina en la joven compañía IT Dansa\, con la que realizó giras internacionales. \n  \nAlbert Tarrats (Barcelona\, 1988) trabaja con sonido y electrónica. A través de actuaciones en vivo y de la construcción de objetos y dispositivos sonoros\, explora formatos auditivos alternativos y su relación con el espacio\, la escucha y los demás. Su práctica es esencialmente colaborativa\, tanto en la creación como en la producción\, e incluye el apoyo a otros artistas en el desarrollo de sus obras. Actualmente investiga bajo el nombre de Comprimir Muntanyes y forma parte del Grupo de Trabajo de Ràdio Web MACBA. \n  \nVestuario con la colaboración de Carla San Martín \n  \nActividad realizada en el marco del ciclo Siguiendo el sol. Destapando la mirada del Museu Tàpies\, comisariado por Carolina Ciuti. Con el apoyo y la colaboración de Graner – Centre de creació de dansa i arts vives. \n  \nImagen: Margaret Watts Hughes\, Impression Figure\, fecha desconocida. Pigmento sobre vidrio. Cortesía de Cyfarthfa Castle Museum and Art Gallery. Fotografía de Louis Porter. \n 
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SUMMARY:Visitas comentadas a las exposiciones\, a cargo de los comisarios
DESCRIPTION:  \nCiclo de visitas comentadas a cargo de los comisarios de las exposiciones vigentes en el Museu Tàpies. Una oportunidad única para visitar las muestras de la mano de los expertos. \n  \nPrograma \n· Miércoles\, 15 de abril de 2026\, a las 18 h\, tendrá lugar la visita comentada a la exposición Antoni Tàpies. El movimiento perpetuo del muro\, a cargo de Pablo Allepuz\, responsable de la Colección del Museu Tàpies y cocomisario de la exposición. \n· Jueves\, 14 de mayo de 2026\, a las 18 h\, tendrá lugar la visita comentada a la exposición Àngel Jové. De intactu\, a cargo de Maria Josep Balsach\, comisaria de la exposición.
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SUMMARY:Descubre una joya modernista: La biblioteca del Museu Tàpies
DESCRIPTION:En el marco de la 19ª edición de la Noche de los Museos y del Día Internacional de los Museos\, os proponemos una visita a la Biblioteca del Museu Tàpies.  \nEsta actividad forma parte del proyecto impulsado por el Grup de Treball de Biblioteques de Museus  que tendrá lugar entre el 11 y el 18 de mayo en bibliotecas de museos de toda Cataluña. En nuestro caso\, coincide también con la iniciativa “Barcelona Capital Mundial de la Arquitectura 2026” \nOs invitamos a conocer una joya modernista ya que la biblioteca\, especializada en arte moderno y contemporáneo\, se encuentra en un edificio modernista de gran valor histórico\, diseñado en 1879 por el arquitecto Lluís Domènech i Montaner para albergar la sede de la editorial Montaner y Simón. \nDurante la visita se hará una breve introducción al edificio\, os explicaremos la singularidad de nuestra arquitectura y os mostraremos los fondos que conservamos. \n  \nCalendario de las sesiones \n\n Miércoles 13 de mayo de 2026\, a las 12:00h\, en la Biblioteca del Museu Tàpies. Requiere reserva previa\n Miércoles 13 de mayo de 2026\, a las 18:00h\, en la Biblioteca del Museu Tàpies. Requiere reserva previa\n\n  \nCalendario de las actividades propuestas en otras bibliotecas que participan en esta iniciativa: \n\nBiblioteca del Museu Etnològic del Montseny\nDescubre el nuevo catálogo en linea de la biblioteca del MEMGA. Difusión de la plataforma de consulta.\nDel 11 al 16 de mayo.\nBiblioteca del Museu Marítim\nSácale todo el jugo a la biblioteca MMB. Visita guiada\, descubrimiento de fondos\, servicios y espacios.\nLunes 11 de mayo\, de 11 a 12:30 h; miércoles 13 de mayo\, de 17:30 a 19 h; y viernes 15 de mayo\, de 11 a 12:30 h.\nIntercambio de libros y Puertas abiertas.  Lunes 18 de mayo\, de 10 a 14 h.\nBiblioteca del Museu Tèxtil\nConoce el patrimonio documental téxtil. Visita guiada\nJueves 14 de mayo\, a las 17:30 h\, y viernes 15 de mayo\, a las 11 h.\nBiblioteca Jacques Dupin (Fundació Joan Miró)\nPuertas abiertas. Visita guiada a la biblioteca.\nViernes 15 de mayo\, a partir de las 12 h.\nBiblioteca del Museu d’Art Modern de Tarragona\nPunto de autoservicio libre de revistas de arte\nSábado 16 de mayo\, de 10 a 12 h.
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SUMMARY:Ciclo "A contra-muro"
DESCRIPTION:  \nEl ciclo de encuentros A contra-muro se inscribe dentro del proyecto expositivo Antoni Tàpies. El movimiento perpetuo del muro y prolonga sus interrogantes hacia el presente. Partiendo del análisis de los contextos y modalidades de exhibición de la obra de Antoni Tàpies durante la década de 1950\, el programa propone activar el muro no solo como elemento formal o arquitectónico\, sino como dispositivo cultural\, político y sensible que articula la relación entre obra\, cuerpo y espacio. \nEn aquellos años\, el muro se convierte para Antoni Tàpies en mucho más que un soporte pictórico: es superficie activa\, lugar de inscripción de gestos\, memorias y tensiones\, pero también espacio de contacto con la arquitectura moderna\, el diseño gráfico\, la industria y el paisaje urbano en transformación. Las diversas soluciones de montaje que el artista exploró en sus exposiciones individuales de los años cincuenta revelan hasta qué punto las condiciones de exhibición forman parte del sentido mismo de la obra\, y cómo esta dialoga con formas específicas de vida\, producción cultural y percepción del mundo. \nTomando este legado como punto de partida\, el ciclo —moderado por la periodista cultural Clàudia Rius— propone una serie de diálogos contemporáneos entre artistas y agentes del sistema del arte que trabajan hoy desde preocupaciones afines: la materia y su carga simbólica\, la relación entre arte y arquitectura\, la presencia del cuerpo\, la dimensión afectiva del espacio expositivo o la capacidad del muro para funcionar como frontera\, soporte\, piel o lugar de resistencia. Lejos de una lectura historiográfica cerrada\, los encuentros activan la obra de Antoni Tàpies como un campo de resonancias desde el que pensar prácticas actuales de producción\, exhibición y mediación artística. \nCada encuentro aborda el muro desde una perspectiva específica —la fragilidad material\, la piel de la obra\, el cuerpo y el afecto—\, pero todos comparten la voluntad de cuestionar los límites entre objeto y espacio\, entre intimidad y esfera pública\, entre institucionalización y experiencia sensible. En este sentido\, el ciclo entiende el muro como un lugar de fricción y de imaginación compartida\, capaz de condensar conflictos\, deseos y formas de relación que atraviesan tanto la obra de Antoni Tàpies como las prácticas artísticas contemporáneas. \nEn un momento en que el papel del espacio expositivo vuelve a ser objeto de revisión —en cuanto a sus condiciones materiales\, simbólicas y políticas—\, A contra-muro propone establecer puentes entre pasado y presente\, entre los debates que marcaron una etapa clave de la modernidad artística y las preguntas que hoy interpelan a artistas\, instituciones y públicos. El muro\, lejos de ser un límite fijo\, se presenta\, pues\, como un espacio en perpetuo movimiento. \n  \nPróximas sesiones: \n  \n· Encuentro 3. Con Eva Fàbregas y Joana Roda\, de Bombon Projects. \nData: martes\, 12 de mayo de 2026\, a las 18 h. \n  \nSesiones anteriores: \n  \n· Encuentro 1: Con Lucía C. Pino y Patricia de Muga\, de la galeria Prats Nogueras Blanchard. \nFecha: martes\, 10 de marzo de 2026\, a las 18 h. \n  \n· Encuentro 2. Con Marria Pratts y Jordi Mayoral\, de la Galeria Mayoral. \nData: martes\, 14 de abril de 2026\, a las 18 h. \n  \n[Imagen: Antoni Tàpies. El crit. Groc i violeta (1953) Museu Tàpies\, Barcelona. © Comissió Tàpies / VEGAP\, 2026.]
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SUMMARY:Territorios visuales. Taller de intervención creativa con las imágenes en torno a los paisajes en la obra de Àngel Jové
DESCRIPTION:Àngel Jové. Cuaderno italiano (1976-1981). Técnica mixta sobre papel.\n  \nTaller de intervención creativa en torno a los paisajes en la obra de Àngel Jové\, desde la narrativa fotográfica y la práctica compartida\, explorando imágenes y materiales dentro de la poética del arte povera. A cargo de Món Casas (CliCme·educació). \nMón Casas es fotógrafa\, docente\, investigadora\, comisaria y mediadora cultural\, que desarrolla su faceta educativa y de mediación artística desde CliCme·educació\, diseñando proyectos\, exposiciones y talleres para museos\, archivos y otras instituciones culturales. \nActividad dirigida a personas interesadas en las artes y la educación. No se requiere experiencia previa.
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SUMMARY:Poem/me xx1. Sesión de escucha/lectura híbrida
DESCRIPTION:Ikram Bouloum es la tercera invitada al ciclo de acción “Las sillas de Tàpies. Invocar la grieta“.  \nCon Poem/me xx1\, la artista se reapropia del espacio de narración para presentar una sesión de escucha/lectura híbrida en forma de narración plurilingüe en la que se recogen diferentes memorias\, poemas\, canciones e imágenes. Este corpus le permitirá introducir\, por un lado\, la noción de grieta que atraviesa su álbum: la herida heredada. Y\, por otro\, el contexto que acompaña a este eje narrativo\, yendo de lo íntimo a lo colectivo para trazar una línea hacia la diáspora. \n  \nIkram Bouloum es una artista\, selectora y comisaria catalanoamazigh. Tras unos años centrada principalmente en el comisariado musical y la dirección artística\, actualmente retoma y sitúa en el centro su práctica artística y de investigación\, reconectando con la voz\, el storytelling y la música desde la multidisciplinariedad y la antidisciplinariedad. \nEn su música\, mayoritariamente interpretada en su lengua materna\, el amazigh del Rif\, explora temas que a la diáspora norteafricana suele resultarle difícil afrontar\, reimaginando sus legados a través de una mirada poética\, política y experimental. \nEl ciclo “Las sillas de Tàpies” está comisariado por Judith Barnés. \n  \n[Fotografía: Lúa Oliver]
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SUMMARY:Programa para docentes - Cápsula cuerpo: Llevar a Tàpies en el cuerpo
DESCRIPTION:En el marco del programa estable de formación para docentes “Tàpies: palabra\, herida\, tierra”\, el taller de danza improvisación “Lleva a Tàpies en el cuerpo” investigará cómo nos podemos aproximar a la obra de Antoni Tàpies a través del cuerpo y cómo su universo artístico se puede desplegar en nosotros a través del movimiento. A través de diferentes pautas guiadas\, huellas\, materia\, objeto y otros elementos característicos de la obra del artista viajarán de la obra a nuestros huesos\, músculos y órganos. \nDe esta forma\, se hará vivo el lenguaje de Tàpies en nuestros cuerpos; descubriremos algunas claves para acercarnos al legado del artista de forma creativa\, y se abrirá la posibilidad de resignificarlo para que sea\, así\, una puerta inspiradora para reflexionar sobre todo lo que se despierte en nosotros. \nA cargo de la bailarina y educadora Berta Vilarrassa.
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SUMMARY:Cartografía de un viaje: Jové\, Rossell y Hac Mor
DESCRIPTION:  \n“Cartografía de un viaje: Jové\, Rossell y Hac Mor” es una actividad que se inscribe en el marco de la exposición “Ángel Jové. De intactu” y que propone profundizar en una de las dimensiones menos transitadas pero más reveladoras de la práctica de Jové: la relación entre creación artística\, escritura y experiencia del territorio. En este contexto\, el viaje se convierte no sólo en un desplazamiento físico sino también en un dispositivo poético y conceptual desde el que repensar el lenguaje\, la percepción y las formas de representación. \nEsta propuesta toma como punto de partida Lo pedrís\, viatge per terres de Ponent (1989)\, realizado por Àngel Jové\, Benet Rossell y Carles Hac Mor. Se trata de una pieza de larga duración\, fruto de una extensa grabación en vídeo\, que documenta un recorrido por la Franja de Ponent y que se configura como un artefacto híbrido entre cine\, acción y escritura. Lejos de cualquier voluntad narrativa convencional\, el filme despliega una mirada fragmentaria y experimental sobre el paisaje\, entendiéndolo como un espacio de fricción entre realidad\, memoria y lenguaje. La obra permite situar las complicidades intelectuales y creativas entre tres figuras fundamentales de la escena artística y literaria catalana de la segunda mitad del siglo XX\, vinculadas a prácticas de vanguardia ya una concepción expandida del arte. En este sentido\, el proyecto se convierte en una clave de acceso privilegiada para entender cómo\, en el trabajo de Jové\, el gesto artístico se entrelaza con la palabra poética y con una atención sostenida en el territorio como espacio de experiencia y de pensamiento. \nLa estructura de la actividad se articula en tres momentos. En primer lugar\, tendrá lugar una conferencia de apertura a cargo de Maria Josep Balsach\, comisaria de la exposición\, que ofrecerá un marco contextual y crítico para aproximarse a esta pieza ya las resonancias que genera en el conjunto de la trayectoria de Jové bajo el título “Las tierras extremas de la memoria. El viaje de Àngel Jové\, Carles Hac Mor y Benet Rossell al fin de los años 80: Fotografía\, poesía y cine”. A continuación\, se proyectará un fragmento del filme\, cedido por el Museu Morera por cortesía de Cristina Giorgi\, viuda de Benet Rossell. Por último\, la sesión culminará con un coloquio con Lluís Calvo\, Mariona Moncunill y Joaquim Sala Sanahuja. La conversación propondrá abrir un espacio de reflexión compartida en torno a las relaciones entre los tres autores\, así como sobre cómo este proyecto articula una cartografía singular del territorio\, el lenguaje y el desplazamiento. Y es que\, más allá de su condición de documento\, el filme se plantea así como una experiencia abierta que invita a repensar los límites entre disciplinas y reconsiderar las formas de narrar —y habitar— el paisaje. \nComo extensión de la exposición Ángel Jové. De intactu\, y en el marco de esta actividad\, el Museu Tàpies programará la proyección de los fragmentos -nunca editados- para el proyecto audiovisual Lo pedrís\, viatge per terres de Ponent (1989)\, de Carles Hac Mor\, Àngel Jové y Benet Rossell\, en total\, 12 horas de grabaciones\, en el auditorio del museo en las siguientes fechas: \n–         Jueves 30 de abril\, de 15:00 a 19:00 h \n–         Viernes 1 de mayo\, de 10 a 19 h \n–         Sábado 2 de mayo\, de 10 a 19 h \n–         Domingo 3 de mayo\, de 10 a 15 h \n–         Martes 5 de mayo\, de 15 a 17 h \n  \nVista de las vitrinas de la exposición. Àngel Jové. Sidamun\, Alamús\, Almatret. De Franja pur\, 1989. Polaroid © Maria Josep Balsach\, 2026
URL:https://museutapies.org/es/event/cartografia-de-un-viaje-jove-rossell-y-hac-mor/
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SUMMARY:Proyección de «Lo pedrís\, viatge per terres de Ponent» (1989)\, de Carles Hac Mor\, Àngel Jové y Benet Rossell
DESCRIPTION:En el marco de la exposición Àngel Jové. De intactu\, el Museu Tàpies programará la proyección de Lo pedrís\, viatge per terres de Ponent (1989)\, realizado por Àngel Jové\, Benet Rossell y Carles Hac Mor. Se trata de una pieza de larga duración\, fruto de una extensa grabación en vídeo\, que documenta un recorrido por la Franja de Ponent y que se configura como un artefacto híbrido entre cine\, acción y escritura. Lejos de cualquier voluntad narrativa convencional\, la película despliega una mirada fragmentaria y experimental sobre el paisaje\, entendiéndolo como un espacio de fricción entre realidad\, memoria y lenguaje. \nLa obra permite situar las complicidades intelectuales y creativas entre tres figuras fundamentales de la escena artística y literaria catalana de la segunda mitad del siglo XX\, vinculadas a prácticas de vanguardia y a una concepción expandida del arte. En este sentido\, el proyecto se convierte en una clave de acceso privilegiada para entender cómo\, en el trabajo de Jové\, el gesto artístico se entrelaza con la palabra poética y con una atención sostenida al territorio como espacio de experiencia y de pensamiento. En este contexto\, el viaje se convierte no solo en un desplazamiento físico\, sino también en un dispositivo poético y conceptual desde el cual repensar el lenguaje\, la percepción y las formas de representación. \n  \nGrabación en vídeo (toma de cámara)\, color\, sonido\, 12:04:16. La grabación se divide en diez vídeos numerados del 001 al 010 nunca antes montados: \n\nFragmento 001 — 00:21:49\nFragmento 002 — 01:02:08\nFragmento 003 — 01:32:38\nFragmento 004 — 01:02:13\nFragmento 005 — 01:03:15\nFragmento 006 — 01:32:56\nFragmento 007 — 01:32:56\nFragmento 008 — 01:03:02\nFragmento 009 — 01:27:00\nFragmento 010 — 01:53:32\n\n  \nEl film se proyectará en el auditorio del Museu Tàpies en las siguientes fechas y horarios: \n\nJueves 30 de abril\, de 15 a 19 h\nViernes 1 de mayo\, de 10 a 19 h\nSábado 2 de mayo\, de 10 a 19 h\nDomingo 3 de mayo\, de 10 a 15 h\nMartes 5 de mayo\, de 15 a 17 h\n\n  \nLa película ha sido cedida por el Museu Morera de Lleida por cortesía de Cristina Giorgi\, viuda de Benet Rossell. \nComo colofón\, la actividad Cartografía de un viaje: Jové\, Rossell y Hac Mor\, programada para el 5 de mayo de 2026\, a las 18:00 h\, profundizará en el film experimental de Jové\, Rossell i Hac Mor. \n\nÀngel Jové. Polaroids (El país de Maialussa)\, 1989. © Maria Josep Balsach\, 2026
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SUMMARY:Entrega de premios del concurso de dibujo "Imaginemos mundos con las IDP" 2026
DESCRIPTION:Acto de celebración y entrega de premios del concurso de dibujo Imaginemos mundos con las IDP. Un concurso organizado gracias a la colaboración de la BCN PID Foundation y el Museu Tàpies\, con la colaboración de Piera.  \nEl objetivo ha sido ofrecer un espacio de creación artística para personas con inmunodeficiencia primaria (IDP) y sus familias\, con el objetivo de favorecer su bienestar emocional. Además\, el concurso ha promovido un diálogo entre las vivencias de las personas participantes relacionadas con la IDP y las obras y documentos de la exposición Antoni Tàpies. El movimiento perpetuo del muro. Así pues\, a través del dibujo\, las personas participantes han compartido su experiencia y\, a la vez\, han conectado con los temas que trata la muestra. \nDurante la entrega de premios se hará público el veredicto del jurado formado por Pablo Allepuz\, conservador del Museu Tàpies\, y Rosa Eva Campo y Maria Sellarès\, del Departamento de Educación del Museu Tàpies. \nEl acto público y gratuito está abierto a todas las personas interesadas\, sin necesidad de reserva previa. Se invitará a asistir al evento a todos los miembros del jurado y los miembros del patronato de la BCN PID Foundation\, así como a profesionales referentes del sector\, los medios y todos los agentes implicados en el concurso.
URL:https://museutapies.org/es/event/entrega-de-premios-del-concurso-de-dibujo-imaginemos-mundos-con-las-idp/
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SUMMARY:Aproximaciones. Visita comentada 2026
DESCRIPTION:Introducción a la historia del edificio del Museu Tàpies y visita comentada a las exposiciones en curso: \n  \n· Antoni Tàpies. El movimiento perpetuo del muro \n· Àngel Jové. De intactu \n  \n  \n 
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SUMMARY:Sant Jordi en el Museu Tàpies
DESCRIPTION:  \n«Ponernos de espaldas y negar muchas cosas de hoy\, resistirnos a aceptarlas\, por más aureolas prestigiosas y sagradas con que nos sean presentadas\, es un deber vital. Nuestro destino está en juego: hacer perdurar la ignorancia y los mitos faltos\, y por tanto la opresión\, o buscar el conocimiento y la felicidad». \nAntoni Tàpies. La tradición y sus enemigos en el arte actual (1965).\nEn Antoni Tàpies\, La práctica del arte. Barcelona: Museu Tàpies\, 2026. \n  \nEl Museu Tàpies celebra Sant Jordi con una novedad editorial: la reedición de los ensayos de La práctica del arte\, de Antoni Tàpies. El primer volumen de ensayos del artista\, actualmente descatalogado\, fue publicado por la editorial Ariel en 1970 en catalán y en 1971 en castellano\, e incluye dieciséis ensayos escritos entre 1955 y 1970. A partir de cuestiones como la libertad\, la práctica artística y la recepción de la obra de arte\, los textos invitan a pensar el lugar del arte en la experiencia contemporánea desde un pensamiento vinculado al contexto histórico\, social y político de su tiempo. La reedición\, en catalán y castellano en ediciones separadas\, incorpora un prólogo que introduce las distintas dimensiones —a menudo poco atendidas dentro del corpus artístico de Tàpies— desde las que acercarnos al artista. \nEl libro podrá adquirirse en la tienda física y en línea del Museu Tàpies a partir del 23 de abril\, Diada de Sant Jordi. Ese día\, el puesto habitual de la librería en la calle de Aragó\, 255\, en Barcelona\, también ofrecerá las últimas publicaciones del museo: Rita Segato. Tàpies y yo: una exégesis recíproca; Marta Palau. Mis caminos son terrestres; y Germaine Dulac. ¿Qué es el cine?\, en colaboración con Wunderkammer; todas ellas con un 10% de descuento. Todas las compras recibirán una entrada doble para visitar el Museu Tàpies. \nLa práctica del arte inaugura la nueva colección de ensayos del artista en el marco de la línea editorial impulsada por el Museu Tàpies con el objetivo de acercar el pensamiento teórico y estético tapiano a todos. Presentada en noviembre de 2025\, la nueva línea editorial del Museu Tàpies se despliega en tres colecciones. La primera\, dedicada a los ensayos de autoría de Tàpies\, que inicia La práctica del arte. La segunda\, conformada por ensayos sobre Tàpies\, incluye los textos de los galardonados del Premio Internacional de Ensayo «Gesto de ayer\, pensamiento de hoy» y de otros intelectuales invitados a participar en él. La propuesta de Rita Segato\, Tàpies y yo: una exégesis recíproca (2025)\, permite al público general acercarse al pensamiento de la antropóloga a través de su aproximación al legado de Tàpies. El texto de Segato es el resultado de la primera edición del Premio\, impulsado en el marco de la colaboración entre el Museu Tàpies y la Cátedra Antoni Tàpies-UPF de Arte y Pensamiento Contemporáneos.  La tercera colección\, cuyo primer volumen se publicará en otoño de 2026\, recogerá miradas contemporáneas sobre el artista surgidas de simposios internacionales y jornadas de estudio celebrados en el Museu Tàpies\, como Yo\, tú\, mundo. Símbolo y universo. Este volumen incluirá textos de Maria Josep Balsach\, José Manuel Cuesta Abad\, Anna Gual\, Rasha Omran\, Valentín Roma\, Gabriel Ventura\, Pedro G. Romero\, Andrea Soto Calderón\, Blanca Llum Vidal\, Raül Garrigasait y Eloy Fernández Porta sobre la serie Teresa (1966) y la serie Cartas para Teresa (1971–1974). Hermanos Berenguer\, autores de la identidad visual del museo\, han sido los encargados de la conceptualización y el diseño de las colecciones. \n  \nFitxa técnica: \nAntoni Tàpies. La práctica del arte\nAutores: Museu Tàpies (prólogo)\, Antoni Tàpies\nEditor: Museu Tàpies\nIdiomas: catalán \, castellano (ediciones separadas)\nAño: 2026\n200 p.\n12 × 18 cm\nEncuadernación rústica\nPrecio: 15 €
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SUMMARY:Visita dibujada a "Àngel Jové. De intactu"\, con Bea Ortiz
DESCRIPTION:El dibujo tiene una presencia importante en la obra poliédrica del artista Àngel Jové: paisajes infinitos que forman parte de series; dibujos fragmentarios o de fragmentos; motivos que se repiten; trazos de dibujo sobre imágenes de prensa; dibujos como si fueran documentos de archivo. Os invitamos a acercarnos a estos materiales a través de una visita dibujada a la exposición Àngel Jové. De intactu; es decir\, un recorrido por la muestra que toma el dibujo como un elemento de diálogo con sus obras. \nDurante la sesión\, Bea Ortiz propondrá diversas prácticas enfocadas a explorar la práctica del dibujo como intermediaria entre la obra de Àngel Jové y nuestra interpretación de la misma. A partir de la percepción de algunas de sus obras\, se invitará a observar y experimentar con diferentes estrategias de representación. A través de pequeñas aproximaciones formales\, se pondrá el acento en el proceso y en la capacidad del dibujo para generar investigación: probar maneras de mirar\, de traducir formas\, ritmos o relaciones presentes en las piezas de Jové. Mediante la conciencia del gesto\, el trazo\, la textura\, los soportes o las herramientas\, el dibujo se convertirá en testimonio de aquello que nos transmite la obra. Más que representarla fielmente\, se tratará de traducir una atmósfera\, un estado o una sensación\, y ver cómo el lenguaje del dibujo puede dar forma a estas impresiones. \n  \nBea Ortiz es licenciada en Bellas Artes en la especialidad de pintura. Ha participado en exposiciones individuales y colectivas en ciudades como Barcelona\, Madrid y París. Posteriormente ha realizado el ciclo formativo de grado superior de Ilustración en la Escola Massana. Ha ilustrado tres álbumes publicados por Editorial Andorra\, y también para revistas como Cavall Fort y Tretzevents. Con el tiempo se dio cuenta de que prefería compartir su pasión por el arte con otras personas de manera práctica y conjunta. Después de trabajar durante varios años como educadora en distintos museos de Barcelona\, actualmente es docente en la Escola d’Art i Disseny de Sant Cugat (EAD). \n  \n[Àngel Jové. Sin título\, c. 1984. Colección particular\, Girona.]
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SUMMARY:Laura Llaneli. Murmullo mudo
DESCRIPTION:  \nCon Murmullo mudo\, Laura Llaneli sitúa el sonido en un espacio de posibilidad inesperada. A través de una acción mínima pero sostenida\, la artista desplaza la escucha hacia el terreno de la imaginación y nos invita a considerar hasta qué punto un sonido puede existir sin llegar a sonar. En un contexto cultural fuertemente dominado por la visualidad\, esta propuesta de escucha imaginada se plantea como una práctica capaz de alterar\, aunque sea provisionalmente\, el frenesí perceptivo que atraviesa la vida contemporánea. \nFruto de una investigación continuada en torno a la percepción y la transmisión sonora\, la performance adopta la forma de una partitura sin sonidos\, abierta a la resonancia singular y a la vez colectiva de cada espectadorx. Entre la evocación de los sonidos que configuran la cotidianidad institucional del museo\, los del tejido urbano y los de los entornos naturales\, emergen fricciones y expectativas que a menudo quedan en un segundo plano\, pero que modelan de forma decisiva nuestra experiencia sensible. \nDe este modo\, la terraza del museo se vuelve especialmente permeable a estas tensiones. Situada al mismo tiempo dentro y fuera de la institución\, en un lugar aparentemente resguardado pero expuesto a los ruidos cambiantes de la ciudad que se filtran en él\, se configura como un escenario privilegiado para una escucha atenta de los murmullos (mudos) que a menudo pasan inadvertidos y que\, sin estridencias\, modelan sutilmente nuestra percepción colectiva. \nActividad realizada en el marco de la edición 2026 del ciclo “Seguint el sol” del Museu Tàpies\, que se titula “Destapar la mirada” y está comisariado por Carolina Ciuti. \n  \nLa obra de Laura Llaneli (Granada\, 1986) explora la relación entre la producción sonora y la experiencia\, el lenguaje y las prácticas de las artes visuales contemporáneas. Sus trabajos hacen hincapié en el impacto de las variaciones sobre patrones y estructuras estables en determinados productos culturales; al mismo tiempo\, ponen a prueba la resistencia del lenguaje como código y del sonido como icono social. \nLlaneli está representada por ADN Galeria y\, entre sus premios\, destacan Art for Change 2019\, el Premio Miquel Casablancas 2018 y el Premio Embarrat 2017. Ha realizado exposiciones individuales en espacios nacionales e internacionales\, como el Centre de les Arts Lliures de la Fundació Joan Brossa (Barcelona)\, La Capella (Barcelona)\, Casal Solleric (Palma)\, ADN Galeria (Barcelona)\, Fundació Joan Miró (Barcelona)\, Casaplan (Valparaíso\, Chile)\, Swinton&Grant (Madrid) y Art3 (Valence\, Francia). También ha participado en exposiciones colectivas en Lo Pati (Amposta)\, The Clemente’s (Nueva York)\, el Palacio Condes de Gabia (Granada)\, el Centro Rafael Botí (Córdoba)\, Tecla Sala (L’Hospitalet de Llobregat) y la Casa de Velázquez (Madrid)\, entre otros. Ha presentado sus performances en festivales como Asistir 2022 (México)\, Signal Reload (Cerdeña)\, Intermediale (Polonia)\, Mixtur (Barcelona)\, POESIA i + (Caldes d’Estrac)\, CAAMsonora (Gran Canaria)\, LEM (Barcelona)\, Tsonami IX (Chile) y Eufònic (Terres de l’Ebre). \nActualmente vive y trabaja en Barcelona. Cursó estudios musicales y se diplomó en Diseño Gráfico. Es licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Barcelona y tiene un máster en Arte Sonoro y un máster en formación del profesorado por la misma universidad.
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SUMMARY:Carles Congost. El gris se declina
DESCRIPTION:  \nCarles Congost nos presenta El gris se declina\, una intervención performática que prioriza el papel del texto y del sonido. La notable influencia de los escritos de Antoni Tàpies se evoca a través de varias pistas musicales y sonoras elaboradas previamente por el artista. \nCongost adopta el rol de DJ y convierte una sesión de clubbing en una performance de naturaleza híbrida y reflexiva. Hibridación que no solo se debe a les diversas formas de intervención sobre las pistas\, sino que también se expresa en la variedad de procesos creativos que Congost emplea. \nEn ocasiones\, Congost improvisa sobre bases instrumentales preexistentes\, incorporando nuevos efectos y voces generadas por inteligencia artificial\, con el objetivo de organizar los mensajes dentro de la economía particular del formato canción. Otras veces\, recrea pasajes ambientales en los que el texto aparece de forma abstracta y sugerente. \nPese a las evidentes diferencias formales entre el trabajo de Congost y el de Tàpies\, esta performance quiere subrayar las ideas esenciales compartidas que tienen que ver con el hecho creativo\, y que merecen ser celebradas y puestas en común. Los textos de Tàpies que sirven como material de base para esta exploración resaltan la libre asociación de ideas como forma de operar válida. Congost reelabora y retuerce los textos originales\, que nunca aparecen de forma literal\, con el objetivo de evidenciar la transversalidad\, la vigencia y la universalidad de las ideas del pintor Antoni Tàpies. Con la colaboración de Andrés Papas Pérez. \nActividad realizada en el marco de la tercera edición del ciclo “Las sillas de Tàpies“\, comisariado por Judith Barnés. \n  \nCarles Congost utiliza diferentes procedimientos visuales y sonoros\, como el vídeo\, la fotografía\, el dibujo o la instalación\, para construir relatos que reflexionan\, de forma irónica y sensual\, sobre la forja de la identidad\, los hábitos de consumo y la propia creación artística.  En sus obras analiza los códigos de la cultura popular como vehículos de construcciones diferenciales y como formas hegemónicas de la subjetividad. \nHa participado en numerosas exposiciones\, tanto nacionales como internacionales\, como Music as a Foreign Language (Museu Es Baluard\, Palma\, 2023)\, ¿Para qué sirven las canciones? (La Casa Encendida\, Madrid\, 2020)\, A Sense of Wonder (Centre d’Art Contemporani Fabra i Coats\, Barcelona\, 2018)\, X Bienal de Nicaragua (2016)\, Manifesta 11 (Zúrich\, 2016)\, The Real Royal Trip (PS1/MOMA\, Nueva York\, 2003)\, Popcorn Love (Espacio Uno – Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía\, 2001) y Country Girls (Espai 13 – Fundació Miró\, Barcelona\, 2000)\, entre otros. \n  \nImatge: Montseny con violencia
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SUMMARY:Cápsula palabra: "Anar a Marina"
DESCRIPTION:Presentación del libro de artista “Anar a Marina” (Ir a Marina)\, de Isabel Banal\, en el marco del programa estable de formación para docentes “Tàpies: palabra\, herida\, tierra“. \nSu obra\, impregnada del entorno rural y natural en el que ha vivido\, conecta con algunos de los ejes de reflexión del área educativa del museo. Editado por ARBAR\, el volumen pone en diálogo imágenes personales -actuales y provenientes del recuerdo familiar- con referentes fotográficos y poéticos y literarios\, y se cierra con un texto de Mita Casacuberta. La obra propone un recorrido íntimo por los paisajes del Alt Empordà y juega con el doble sentido de la expresión popular «ir a marina» —ir a la playa\, veranear— y con la tradición pictórica de las marinas. \nEn esta sesión\, de la mano de las comisarias Alexandra Laudo y Glòria Picazo\, y con la participación de Marta Pol Rigau e Isabel Banal\, editora y autora del libro respectivamente\, nos adentraremos en el mundo de las ediciones de arte y en los imaginarios del artista. \n  \nSobre el libro \nEl libro de artista “Ir a Marina”\, de Isabel Banal Xifré\, explora los vínculos que establecemos con un territorio y las experiencias que vivimos en él; en este caso\, con el espacio comprendido entre Llançà y el Port de la Selva. La obra se articula a partir del doble sentido de la expresión popular “ir a marina” —ir a la playa\, veranear— y la tradición pictórica de pintar marinas. \nEntre los hilos conductores se encuentran las figuras del pesebre\, la presencia de piedras y rocas —elementos constantes en la obra de Banal— y la literatura\, entendida también como una forma de “marina”. La piedra\, la luz\, el mar y la ausencia se convierten en elementos simbólicos que evocan identidad\, pérdida y arraigo. \n  \nSobre la artista \nEl trabajo de Isabel Banal Xifré reflexiona sobre la tensión y la convivencia entre el mundo natural y el mundo urbano\, así como sobre la representación del paisaje. A lo largo de su trayectoria\, ha sido constante el uso de materiales naturales combinados con elementos vinculados al proceso de creación y objetos cotidianos. A menudo juega con los cambios de escalera y la miniaturización\, tomando como referencia el mundo de los belenes. El color blanco está siempre presente\, entendido como silencio y revelación. Entre sus exposiciones individuales destacan “Abismes” (Chiquita Room\, 2023)\, “Parar taula” (Canònica de Vilabertran – Bòlit\, 2022)\, “Ad infinitum” (Estrany-De la Mota Art Advisors\, Barcelona\, 2020)\, “In(certesos)” (MUME\, 2020) i “intents (2)” (Lactea\, Arts Santa Mònica\, 2014). \n  \nCon la colaboración de ARBAR Centro de producción y edición de procesos performativos centrados en la investigación biocultural y artística de Rodes.
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