Simposio “El muro y la ciudad. Dispositivos visuales de la modernidad”

El simposio internacional El muro y la ciudad. Dispositivos visuales de la modernidad se vincula conceptualmente con la exposición Antoni Tàpies. El movimiento perpetuo del muro, una muestra que actualmente puede verse en el Museu Tàpies y que ha sido comisariada por Imma Prieto y Pablo Allepuz. Esta exposición explora la obra del artista a partir de sus contextos y modalidades de exhibición, y se centra en cuatro exposiciones individuales de los años cincuenta, caracterizadas por grupos de obras y soluciones de montaje muy diversas. El conjunto permite situar la producción de Antoni Tàpies en relación con debates más amplios sobre arquitectura moderna, diseño, industria, espacio urbano y formas de vida de la época.

A partir de este marco conceptual, el simposio internacional El muro y la ciudad. Dispositivos visuales de la modernidad propone una lectura crítica de la modernidad a través de los dispositivos materiales y visuales que la hicieron posible: muros, fachadas, pavimentos, vitrinas, carteles, estructuras expositivas y espacios domésticos. Estos elementos, aparentemente funcionales, se convierten en agentes activos de mediación entre arte, diseño, arquitectura y experiencia perceptiva, dado que la materia, la luz, el montaje visual y la disposición de los objetos influyen en la percepción estética y definen nuevas formas de ver, habitar y entender la ciudad.

En el contexto de la reconstrucción europea posterior a la Segunda Guerra Mundial —y a la posguerra y el aislamiento cultural del franquismo en España—, el espacio expositivo y el paisaje urbano actuaron como laboratorios de modernidad. Museos, pabellones, escaparates y viviendas se convirtieron en espacios experimentales donde arquitectura, diseño y display generaban formas específicas de percepción, marcando una sensibilidad visual y urbana propia de la posguerra. En Barcelona, figuras como Antoni Tàpies, Josep Antoni Coderch, Antoni de Moragas Gallissà, Oriol Bohigas, Ricard Giralt Miracle o America Sanchez propusieron una sintaxis común: una modernidad artesanal y contenida, con densidad matérica y gesto manual, que articulaba arquitectura, diseño y display visual. Su práctica no solo definía una cultura visual, sino también un modelo de display que condicionaba la percepción estética del espacio y el objeto.

El simposio analiza estos dispositivos como prácticas activas de discurso y percepción que configuran imaginarios de comunidad, memoria y relación entre cuerpo y arquitectura. Se revisitan los lenguajes expositivos, arquitectónicos y gráficos de los años cincuenta y sesenta para interrogar su vigencia: ¿qué queda hoy del modo de concebir muros, casas o la ciudad como espacios de pensamiento, resistencia y percepción? ¿Qué continuidades o fracturas existen entre los dispositivos visuales de la modernidad y las prácticas actuales de museografía y urbanismo? Esta revisión permite pensar el museo y la ciudad contemporánea como espacios de crítica, experimentación y experiencia estética, donde la memoria del display moderno sigue siendo una estrategia de pensamiento y percepción.

Para elaborar el programa, se ha invitado a investigadores/as, artistas, arquitectos/as, diseñadores/as y profesionales del ámbito curatorial a presentar propuestas que aborden estas cuestiones desde perspectivas críticas, históricas o contemporáneas, y con enfoques interdisciplinarios. El call for papers impulsado desde la Cátedra Antoni Tàpies – UPF de Arte y Pensamiento Contemporáneos amplia y profundiza la propuesta curatorial de la muestra, invitando a investigar críticamente estas infraestructuras materiales y simbólicas desde perspectivas históricas y teóricas diversas, tomando como punto de partida la exposición que actualmente se puede visitar en el Museu Tàpies. Más allá del relato expositivo, el simposio abre un espacio de debate académico para analizar como estos dispositivos han modelado la percepción y la experiencia estética, así como las dinámicas sociales y políticas inscritas en la ciudad moderna. 

PROGRAMA

Miércoles, 27 de mayo de 2026

• 18 h. Bienvenida y presentación a cargo del Museu Tàpies
• 18.10 h. Conferencia «El muro que somos. Tàpies, el espacio, la obra» a cargo de Federico Ferrari
• 18.50 h. Conferencia «El entorno y su influencia» a cargo de Xavi Ceerre
• 19.20 h. Pausa
• 19.30 h. Conferencia «Más allá del muro» a cargo de Carlos Bunga
• 20.10 h. Mesa redonda y debate
• 20.30 h. Clausura

Jueves, 28 de mayo de 2026

• 18 h. Bienvenida y presentación a cargo del Museu Tàpies
• 18.10 h. Conferencia «Extramuros. De la silueta de la sombra del reflejo de la imagen» a cargo de Juan José Lahuerta

18.50 h. Conferencia «Del ser a la nada. Objeto, cuerpo y espacio en el arte de performance contemporáneo» a cargo de Lyu Wen

19.20 h. Pausa

19.30 h. Conferencia «El modelo Miró. La exposición de elementos efímeros como práctica artística» a cargo de Jordana Mendelson

• 20.10 h. Mesa redonda y debate
• 20.30 h. Clausura

Viernes, 29 de mayo de 2026

• 18 h. Bienvenida y presentación a cargo del Museu Tàpies
• 18.10 h. Conferencia «El muro como media» a cargo de Beatriz Colomina
• 18.50 h. Conferencia «Tàpies y la crítica de arte» a cargo de Victoria Combalía
• 19.30 h. Pausa
• 19.40 h. Mesa redonda y debate
• 20 h. Acción sonora de clausura Vacío activo. Reflexiones sobre la nada a cargo de Rasheed Jalloul
• 20.30 h. Final

PONENTES

Carlos Bunga

Carlos Bunga crea obras orientadas al proceso —instalaciones, performances, vídeo, dibujo, escultura y pintura— que hacen referencia a su entorno arquitectónico inmediato e intervienen en él. Aunque utiliza materiales ordinarios y discretos, las obras resultantes implican una complejidad conceptual derivada de la interrelación entre hacer y deshacer, entre deshacer y rehacer, entre investigación y experimentación.

Bunga atrajo por primera vez la atención internacional con su obra en la bienal de arte contemporáneo Manifesta 5 en San Sebastián (2004). Desde entonces ha presentado exposiciones individuales en CAM Fundação Gulbenkian (Lisboa, 2025), MNCARS (Madrid, 2022), Secession (Viena, 2021), Whitechapel (Londres, 2020), MAAT (Lisboa, 2019), Haus Konstruktiv Museum (Zúric, 2015), MACBA (Barcelona, 2015), Hammer Museum (Los Ángeles, 2011) y Pinacoteca de São Paulo (2010), entre otros.

Xavi Ceerre

Su práctica pictórica, de carácter procesual, explora la fisicidad del gesto, el error y la materia, con especial interés en la huella del subconsciente colectivo en el espacio público y en las tensiones entre urbanismo y formas de subversión.

Es graduado en Diseño Gráfico por la Escola Llotja y tiene un máster en Pintura por la UPV/EHU, así como el máster de Formación del Profesorado de la Universidad de Barcelona. Ha ampliado su formación en la School of Visual Arts y en la Gerrit Rietveld Academie (Ámsterdam).

Expone regularmente en la Galeria Carles Taché desde 2021, y ha participado en ferias como Art-o-rama, Estampa y CAN. Ha realizado residencias en centros como BilbaoArte, Fabra i Coats o Piramidón, entre otros. Su obra forma parte de colecciones públicas y privadas.

Beatriz Colomina

Tiene la cátedra de Arquitectura Howard Crosby Butler, y es directora del programa de doctorado en la Escuela de Arquitectura y directora fundadora del programa interdisciplinar Media and Modernity en la Universidad de Princeton.

Sus libros más recientes son Sick Architecture (MIT Press, 2025) y We the Bacteria: Notes Toward Biotic Architecture (Lars Müller, 2025). Recientemente ha co-comisariado con Mark Wigley la exposición We the Bacteria: Notes Toward Biotic Architecture en la Trienal de Milán 2025, y The Other Side of the Hill en la Bienal de Venecia 2025.

Victoria Combalía

Doctora y profesora de Historia del Arte en la Universidad de Barcelona desde 1974. Fue investigadora invitada en el Institute of Fine Arts de Nueva York entre 1979 y 1981. Ha organizado más de sesenta exposiciones, como Joan Brossa, 1941-1991 (1991), Ver a Miró. La irradiación de Miró en el arte español (1993), Cómo nos vemos. Imágenes y arquetipos femeninos (1996), Kandinsky. Obras procedentes del Centre Pompidou (1996), Sean Scully (2005), Dora Maar, a pesar de Picasso (2014) o Mujeres surrealistas (2017). Es especialista en Joan Miró y biógrafa de Dora Maar.

Ha publicado, entre otros, Estudios sobre Picasso (1981), Antoni Tàpies (1984), Picasso-Miró, miradas cruzadas (1998), Amazonas con pincel (2006), Dora Maar, más allá de Picasso (2013), Musas, mecenas y amantes (2016) y Ver para vivir. Memorias (2024). Ha sido directora del Centre Cultural Tecla Sala y asesora artística de la Comunidad de Madrid. Fue nombrada Chevalier des Arts et des Lettres en 2003. Es presidenta del Comité Dora Maar.

Federico Ferrari

Filósofo y esteticista italiano, profesor de Estética en la Accademia di Belle Arti di Brera. En 2020 fundó, junto con Andrea Cortellessa y Riccardo Venturi, Antinomie, un sitio web dedicado a la relación entre la imagen y la palabra. En 2025, bajo su impulso, se creó el Centro di storia e teoria dell’arte (CeSTA), con sede en la Accademia di Brera. Ha publicado numerosos volúmenes en Italia y en el extranjero, centrados tanto en la cuestión comunitaria dentro de los tejidos sociales desagregados propios de la civilización posmoderna como en la experiencia artística, en su ambigua tensión entre la aspiración a otro mundo y su reducción a mercancía de lujo dentro de un mercado especulativo.

Entre sus libros destacan La comunità errante (1997), Nudità (1999), Lo spazio critico (2004), Costellazioni (2006), Sub specie aeternitatis (2008), Il re è nudo (2011), Arte essenziale (2011), L’insieme vuoto (2013), L’anarca (2014; 2.ª ed. 2023), Visioni (2016), Oscillazioni (2016), Il silenzio dell’arte (2021), L’antinomia critica (2023), Ritratti (2025) y, junto con Jean-Luc Nancy, La pelle delle immagini (2003), Iconografia dell’autore (2006), La fin des fins (2015) y Estasi (2022).

Rasheed Jalloul

Arquitecto, artista, compositor e investigador libanés establecido en Barcelona. Su práctica se mueve entre la arquitectura, el sonido y el lenguaje, entendidos como sistemas interdependientes a través de los cuales se articula el espacio. Su metodología opera como un efecto Casimir político, en el que vacuidades producidas por la calamidad reorganizan las condiciones perceptivas y mnemónicas. A través de esta noción de vacío activo, aborda la ausencia como un campo de condicionamiento a partir del cual la forma emerge mediante procesos de sustracción y fluctuación, lo que cuestiona las epistemologías coloniales del cuerpo y el espacio.

Actualmente, Jalloul es residente en el Centre d’Arts Santa Mònica, donde desarrolla una investigación sobre mediación espacial. Su trabajo se ha presentado en MACBA, Kampnagel, el Festival Sâlmon, RCR Arquitectes y la Fundació Enric Miralles, entre otros.

Juan José Lahuerta

Ha sido profesor de Historia del Arte en la Escola Tècnica Superior d’Arquitectura de Barcelona. Ha enseñado en la Università Iuav di Venezia y en la Universidad de Nueva York, entre otras. Ha sido conservador del Museu Picasso de Barcelona y jefe de colecciones del Museu Nacional d’Art de Catalunya.

Algunos de sus últimos libros son Religious Painting. Picasso and Max Von Moos (2015), Marginalia. Aby Warburg, Carl Einstein (2015), Photography or Life: Popular Mies (2015), On Loos, Ornament, and Crime (2015), Antoni Gaudí. Ornament, Fire, and Ashes (2016) y Arte en la época del infierno (2022).

Ha sido comisario de exposiciones como Picasso. Romànic (MNAC, Barcelona, con la colaboración del Musée Picasso, París, 2015), Gaudí (MNAC, Barcelona y Musée d’Orsay, París, 2022) y Julio González. Ser Artista (IVAM, Valencia, 2023), y ha escrito los respectivos catálogos. Es miembro del consejo científico de Casabella (Milán) y fundador y director de la editorial Mudito & Co (Barcelona, Nueva York, Venecia).

Jordana Mendelson

Jordana Mendelson es profesora agregada en el Departamento de Lenguas y Literaturas Española y Portuguesa de la Universidad de Nueva York, donde entre 2020 y 2026 dirigió Espacio de Culturas, un centro dedicado a desarrollar eventos y programas relacionados con España, la península ibérica y América. Su investigación se centra en la cultura visual, expositiva e impresa en la España de los años treinta.

Es autora de Documenting Spain: Artists, Exhibition Culture and the Modern Nation, 1929-1939 (Penn State UP, 2005), coeditora de Postcards: Ephemeral Histories of Modernity (Penn State UP, 2010) y comisaria de Revistas y Guerra 1936-1939 (Madrid, Museo Reina Sofía, 2007) y Encounters with the 1930s (Madrid, Museu Reina Sofía, 2013). También es coeditora del Journal of Spanish Cultural Studies. Actualmente está trabajando en un manuscrito provisionalmente titulado Paper Routes: The Power of Design in 20th-Century Spain.

Lyu Wen

Artista e investigadora interdisciplinar que está cursando un doctorado en el Departamento de Humanidades de la Universitat Pompeu Fabra. Su trabajo explora la intersección entre el arte de performance, los medios digitales y la filosofía de la Escuela de Kyoto.

Trabajando entre la performance, el vídeo, la instalación y la pintura, desarrolla una aproximación basada en la práctica que nutre su investigación. Sus proyectos actuales investigan de qué modo acciones cotidianas, como caminar y sentarse, pueden transformarse en prácticas corporales de atención sostenida y conciencia.

Con la colaboración y la participación de la Cátedra Antoni Tàpies – UPF de Arte y Pensamiento Contemporáneos.

Actividad en el marco de Barcelona 2026, Capital Mundial de la Arquitectura.

[Imagen: Antoni Tàpies, Porta metàl·lica i violí, 1956. Colección Museu Tàpies, Barcelona. © Comissió Tàpies / VEGAP, 2026.]